Kiri, continuano le segnalazioni in Kirolandia blog di cooperazione dell'omonima corrente culturale.
Per sognare con voi, di settimana in settimana, alcuni suggerimenti, piccoli e grandi, sia In che Off, selezionati sulla base delle vostre importanti indicazioni, in pieno kirostile, qualità libera da tutto e da tutti.
in merito al TEATRO
DEBUTTI
UOMINI CHE "CI PROVANO " compagnia Parteciparte
TEATRO PALLADIUM UniRomaTre – Roma – martedì 22 Marzo 2016, ore 20.30
Dopo il successo di Amore mio dello scorso novembre, la compagnia Parteciparte torna sul palcoscenico del Teatro Palladium con un nuovo spettacolo di teatro-forum, incentrato questa volta sul tema dell’identità maschile. Se, infatti, da sempre la donna è vittima di stereotipi che, difficili da scardinare, ancora oggi resistono nell'immaginario comune, anche l’uomo non è immune al processo di irrigidimento in cliché semplicistici e caricaturali. Uomini che “ci provano” è uno spettacolo sulle difficoltà che incontra chi non si riconosce nei modelli maschili che vengono promossi oggigiorno - nelle relazioni di coppia, di amicizia, di squadra - ma non riesce a concretizzare nuovi modi creativi e aperti per rapportarsi agli altri, rischiando di risultare impacciato e venire deriso.
Può un uomo, alla base sensibile e sensato, diventare violento? È quello che succede al protagonista di questa storia, Filippo. Il teatro-forum è lo strumento scelto per affrontare temi sensibili in maniera partecipata, attraverso la riflessione e, soprattutto, l'azione: il pubblico potrà intervenire per aiutare Filippo, provare delle soluzioni e cambiare la storia.
www.teatro-palladium.it
"PINOCCHIO vol.1 -
Redux" di Andrea Carvelli
CARVELLI / CUSATO
TEATRO OROLOGIO - Sala
Gassman - Roma - da martedì 22 a domenica 25
marzo 2016, ore 20.00
Adattamento in endecasillabi a rima baciata del libro di
Collodi.
Diviso in tre parti, questo
“vol. 1” affronta la storia così come volle concluderla l'autore in prima
scrittura, dove il percorso di Pinocchio, altro non è se non
l’attraversamento dell’Erebo, del Regno dei Morti. La trasformazione del
burattino in bambino, è vista sotto l’ottica di un vero e proprio incubo dal
quale Pinocchio non potrà più svegliarsi. Il suo processo di formazione è una
via nella notte, la strada dentro il sonno eterno degli esseri. Una variante al
mito di fondazione della morte, dove il corpo (bambino) ha l’inevitabile
destino della fine e l’anima (burattino) tutto il tempo dell’immortalità.
Autore: Andrea Carvelli - regia Matteo Cusato - con Anton De Guglielmo e la partecipazione di Francesco Turi, Emilio Barone e Alessandra
Chieli - musiche
Marco Cinquegrana - disegno
luci Rosa Martini - scenografia
e costumi Andrea Carvelli- produzione Andrea Carvelli, Matteo Cusato, Francesco Turi e Ass. Cult.
Rialto Sant’Ambrogio
www.teatrorologio.it
"APPARECCHIO primo studio" di e con Francesca Blancato
TEATRO OROLOGIO - Sala
Moretti - Roma - da giovedì 24 e venerdì 25 marzo 2016, ore 21.30
Sono felice di presentare in anteprima questo
progetto che ho iniziato a scrivere quattro anni fa e che ha cambiato molte volte
forma e sostanza, restando però sempre legato alla sua essenza.
Qui si osserva da vicino una solitudine: la vita di
un anziano in una casa di riposo.
E se pure tutto ha avuto inizio dal ricordo vago di
mio nonno Amleto con la sua figuretta magra e sghemba, questo vecchio oggi sono
soltanto io.
Se penso alla mia futura vecchiaia mi appare
un'oasi congelata, una clessidra capovolta, piena di granelli scintillanti,
dove ogni granello è una cosa non fatta, una cosa ancora da fare!
Nessuna responsabilità, nessun obbligo di
socievolezza posticcia, finalmente liberi, violenti, spensierati come
adolescenti raggrinziti e teneri.
Qualcosa mi dice che non andrà così.
Qualcun' altro invece mi parla di un'età pacifica,
radicata nell'essenza delle cose, brillante di serena accettazione, vicina alla
nostra essenza profonda.
Ma non credo nemmeno che sarà così.
Forse sarà soltanto spietata, di una commovente
brutalità, cinica e concisa per necessità, per fatica e per fretta, ridotta
all'osso, in definitiva, breve.
E questo spettacolo racconta di una vecchiaia
segregata tra le mura di un ospizio, disturbata dalle chiacchiere di altri
vecchi, dalle regole, dai dolori, dalla noia, sempre in attesa che la mamma
venga a prenderci e portarci via con sé.
Il mio vecchio senza nome mangia caramelle Rossana,
che a me non piacciono affatto, e aspetta qualcosa che nemmeno io conosco.
Autore, regesta, interprete: Francesca Blancato - aiuto regia : Maria
Costanza Barberio - disegno luci: Martin
Palma - produzione Aut-Out, in collaborazione con Rialto Sant'Ambrogio,
Compagnia Frosini/Timpano - residenza artistica Armunia – Castiglioncello
ottobre 2015
www.teatrorologio.it
PROSEGUONO
"39 SCALINI" di John Buchan, adattamento di Patrick Barlow - regia di Leonardo Buttaroni
Dal film di Alfred Hitchcock
TEATRO TRASTEVERE -
Roma - da martedì 8 a Domenica 27 marzo 2016, ore
21.00_dom ore 18.00
Dopo i successi di “Horse Head” (segnalato dal New York Times e Vincitore del
Roma Fringe Festival 2012) "Fight Club - La Prima Regola", (Vincitore
Premio Vincenzo Cirami 2014 Migliori Scene a Paolo Carbone) e “Titus”
(Vincitore Premio Cerami 2015 Miglior Spettacolo) le Cattive Compagnie tornano
in scena omaggiando uno dei più grandi maestri del cinema, Alfred
Hitchcock, portando sul palcoscenico “39 scalini” avvincente giallo
tratto dall’omonimo romanzo di John Buchan da cui è tratto il memorabile film “Il club dei trentanove” del
“Maestro del brivido”, tramutato poi da Patrick
Barlow in un’esilarante commedia teatrale.
“39
scalini” firmato dall’attenta regia di Leonardo Buttaroni e arricchito dalle
scenografie impeccabili di Paolo Carbone, riprende l’opera scritta da Patrick Barlow nel 2005, pensata per un cast di
quattro attori, qui interpretati dalla consolidata e affiatata squadra formata
da Alessandro Di Somma, Diego Migeni, Yaser Mohamed, Marco Zodan, chiamati a recitare, anche
contemporaneamente, una moltitudine di personaggi dalle caratteristiche più
diverse: buoni, cattivi, uomini, donne e anche oggetti inanimati.
Una
corsa vertiginosa fino all’ultimo travestimento dai ritmi narrativi serrati e
incalzanti che conserva la ricchezza dei
dettagli psicologici della versione cinematografica girata da Hitchcock
nel 1935, da cui riprende l'umorismo graffiante
e acuto, l'alta tensione e la suspense.
Il personaggio perno dell’opera è Richard Hannay, un uomo d'affari
intrappolato in un giallo apparentemente senza uscita, interpretato come da
copione da un solo attore (Marco Zordan) mentre attorno a tre interpreti (Alessandro Di Somma, Diego Migeni,
Yaser Mohamed) ruota
vorticosamente l'interpretazione degli altri 38 personaggi, in un susseguirsi
di gag esilaranti, intrighi, colpi di scena e citazioni cinematografiche che
rendono lo spettacolo irresistibilmente suggestivo e coinvolgente.
La messa in scena gioca interamente sulla dichiarata
illusione scenica, svela fin da subito ogni “magia” o convenzione teatrale,
mettendo in campo una straordinaria abilità evocativa attraverso l’uso di
soluzioni teatrali semplici ma di forte impatto emotivo. “Siamo volutamente ben
lontani dalle misteriose magie dei prestigiatori – spiega Leonardo Buttaroni –
l’intento è quello di permettere al pubblico di divertirsi insieme agli attori,
godendo dei travestimenti a vista, attraverso l’illusione dichiarata di bauli
che diventano treni, corde che formano fiumi o scale che si trasformano in
ponti”.
Intrighi internazionali, complotti criminali, donne
seducenti e ammaliatrici, un giallo sottile ed esilarante tutto giocato sulle
gag e travestimenti che omaggia un grande e indiscusso maestro del cinema come Alfred Hitchcock e strizza l’occhio alla commedia
inglese contemporanea.
Una nuova sfida quella di Cattive Compagnie che anche per
questo ambizioso progetto porta in scena la sua personalissima cifra teatrale
che danza tra commedia e
tragedia, cinema e teatro, conquistando con la sua forte vocazione pop di alta
qualità un pubblico sempre più numeroso ed appassionato.
Cattive Compagnie_Dal film di Alfred Hitchcock - di John Buchan, adattamento di Patrick Barlow - regia: Leonardo Buttaroni - interpreti: Alessandro
Di Somma, Diego Migeni, Yaser Mohamed, Marco Zordan - scene: Paolo Carbone -
aiuto regia: Gioele Rotini - foto: Manuela Giusto - luci: Pietro Frascaro www.teatrotrastevere.it
"L’accompagno di papà"
scritto e diretto da Roberto Marafante
TEATRO DEI SERVI - Roma - da martedi 8 a
domenica 27 marzo 2016 - ore
21 da martedì a venerdì_ 17.30 e 21 sabato_17.30 domenica
Debutto romano l’8
marzo per la nuova commedia ispirata a fatti di cronaca, scritta e diretta da Roberto Marafante e interpretata da tre
nomi noti del doppiaggio italiano: Teo
Bellia, Alessandra Bellini e Gianluca Cortesi.
“L’accompagno” infatti non è soltanto un’espressione garbata
da dire a qualcuno che sta camminando da solo, ma è anche la contrazione della
frase “assegno di accompagnamento”, un sostegno economico previsto dallo Stato
a persone con un alto grado d’invalidità.
Questo assegno fa
comodo a Lucia, giovane donna divorziata e disoccupata, per sé e per il suo
vecchio genitore con il quale condivide ormai casa e pensione. Fa comodo al
dottor Mario Magnesio, burocrate a cui Lucia si è “concessa” per sveltire le pratiche
di richiesta dell’assegno. Fa comodo a suo fratello Gino che, tornato a casa da
Berlino, non ha più voglia di tentare la fortuna all’estero. Insomma tutti
sperano di vivere ancora sulle spalle del vecchio genitore. C’è però un piccolo
giallo attorno al quale si sviluppa questa commedia all’italiana dal finale
amaro: non si trova più il papà! Come nella migliore tradizione teatrale,
tutto avviene in un giorno, dalla rivelazione alla catarsi, e le risate
scatenate dall’aspetto surreale della storia inducono ad una inquietante
domanda: tutto ciò può accadere o è già accaduto da qualche parte?
“L’accompagno di papà
è una
commedia comica e amara sulla realtà contemporanea dove la crisi economica, ma
soprattutto quella dei valori, ha stravolto i rapporti, alterato le regole,
creato nuove forme di legami” – racconta il regista Roberto Marafante – “tanto
che ciò che prima poteva sembrare impensabile, diventa ora possibile”.
La Bilancia Produzioni_ Scritto e diretto: Roberto Marafante - Interpreti: Alessandra Bellini (Lucia) - Gianluca Cortesi (Gino) - Teo Bellia (Mario Magnesio) - aiuto regia:
Lilla Vancheri – scenografia:
Salvatore Macri’ - luci e
fonica: Sacha Pilara – grafica
Simona: Chirizzi – foto Marco D’Elia
www.teatroservi.it
rispetto al CINEMA
PROSEGUE
"Sebastian0" di Fabrizio Ferraro
Nelle SALE ITALIANE da giovedì 15 Marzo
2016
ISPIRATO AL
DIPINTO SAN SEBASTIANO DI ANDREA MANTEGNA
Dopo aver
riportato in sala in Italia autori come Amos Gitai e Jean-Marie Straub, Boudu-
Passepartout distribuisce Sebastian0, il nuovo film di
Fabrizio Ferraro.
Cineasta
considerato dalla critica tra i più sorprendenti, radicali e innovativi del
panorama italiano, con questo nuovo lavoro Fabrizio Ferraro realizza un'opera a
cavallo tra finzione, documentario e film d'arte. Il film prende infatti spunto
dall'opera pittorica di Andrea Mantegna e dalle vicende del martire cristiano
Sebastiano. Due storie attraversano il dipinto San Sebastiano di
Mantegna. Due epoche diverse, ma uno stesso luogo: il Palatino di Roma. 2015
d.C. Marta e John sono turisti tra i turisti e passeggiano senza requie tra i
resti dell’antica città. 287 d.C. Anche Adriano e Alessandro, soldati della
guardia imperiale di Diocleziano, camminano senza sosta nello stesso luogo.
Sebastiano, in catene, li segue. Il loro è un circolo in cui vittima e
carnefici si confondono.
Sebastian0, prodotto
da Boudu-Passepartout con il sostegno di Nuovoimaie e del Fondo regionale per
il cinema e l'audiovisivo della Regione Lazio, verrà presentato in anteprima
internazionale in un circuito costituito dai più importanti Musei e Centri di
Arte contemporanea europei: il Macro di Roma (15 Marzo), il museo ZKM di
Karlsruhe, uno dei più innovativi e importanti musei di arte e tecnologia dei
media (16 Marzo) e il Centre Pompidou di Parigi con una proiezione nella
domenica di Pasqua come evento speciale all'interno del Cinéma du Réel (27
Marzo).
Con questo
nuovo lavoro Boudu continua a sostenere il grande cinema d'autore, sia
recuperando i canali classici della sala cinematografica sia aprendo nuovi
spazi di visione all'interno delle istituzioni culturali, artistiche e museali
che mostrano interesse nei confronti del cinema d’arte.
Italia - 2016
- Durata 1’29’’
Soggetto:
Fabrizio Ferraro, Marcello Fagiani - Testo,
immagine e composizione: Fabrizio
Ferraro - Operatore steadycam: Giancarlo
Leggeri - Assistente operatore: Pietro
Laino - Suono: Francesco Principini,
Simone Frati Costumi Fratelli Nori Trucco Sally Tomato - Prodotto da Fabrizio
Ferraro, Marcello Fagiani, Fabio Parente - Produttore associato: Luis Minarro (Barcellona)
Produzione
Boudu – Passepartout In collaborazione con Citrullo International
Distribuito da Boudu-Passepartout
CAST - MARCO
TETI, SEBASTIANO - MARTA REGGIO, IRENE LA
TURISTA - ADRIANO FABBI, SOLDATO ROMANO - ALESSANDRO CARLINI, SOLDATO ROMANO - JOHN HARDING, IL TURISTA.
circa l'ARTE
PROSEGUONO
"I Macchiaioli. Le
collezioni svelate" curata da Francesca Dini
CHIOSTRO DEL BRAMANTE - Roma - da mercoledì
16 marzo a domenica 4 settembre
2016, tutti i giorni dalle ore 10.00 alle 20.00 , sabato e domenica
10.00-21.00
La mostra I Macchiaioli. Le collezioni svelate apre
al Chiostro del Bramante di Roma dal 16 marzo e ha il pregio di presentare al
pubblico per la prima volta importanti dipinti dei Macchiaioli e non solo,
collocandoli nel contesto delle antiche collezioni che in origine li
ospitarono.
Le opere che appartenevano a grandi collezioni del
passato - come quella di Cristiano Banti, Diego Martelli, Rinaldo Carnielo,
Edoardo Bruno, Gustavo Sforni, Mario Galli,Enrico Checcucci, Camillo Giussani,
Mario Borgiotti - oggi sono confluite per lo più in collezioni private e
rappresentano un nucleo inedito del più importante movimento pittorico italiano
del XIX Secolo.
In mostra oltre 110 opere che rappresentano la
punta di diamante di ricchissime raccolte di grandi mecenati dell’epoca,
personaggi di straordinario interesse, accomunati dalla passione per la
pittura, imprenditori e uomini d’affari innamorati della bellezza, senza i
quali oggi non avremmo potuto ammirare questi capolavori. Talvolta donate dagli
autori stessi e più spesso acquistate per sostenere gli amici pittori in
difficili momenti, queste opere - in grado di assecondare il piacere estetico e
arricchire le più grandi quadrerie - sono diventate capolavori ricercati anche
dai grandi intenditori d’arte dei nostri giorni.
In un percorso di 9 sezioni - ciascuna intitolata
alla collezione di provenienza - il visitatore ha la possibilità di scoprire i
Macchiaioli, il movimento pittorico più importante dell’Ottocento italiano e il
clima storico che fa da sfondo alla vicenda di questi artisti, oltre ai temi,
ai contenuti e ai personaggi di questo rivoluzionario movimento: si potranno
ammirare opere quali Il Ponte Vecchio a Firenze (1878 ca.) di Telemaco
Signorini - fortunosamente recuperato da Borgiotti sul mercato inglese: un capolavoro
non più visto da decenni -, Il giubbetto rosso(1895) di Federico Zandomeneghi,
Marcatura dei cavalli in Maremma (1887) e Ciociara (Ritratto di Amalia
Nollemberg) del 1881 ca. di Giovanni Fattori, Place de la Concorde(1875) e
Campo di neve (1880 ca.) di Giuseppe De Nittis, accanto al Ritratto di Alaide
Banti in giardino (1875 ca.) di Cristiano Banti, Cucitrici di camicie rosse
(1863) diOdoardo Borrani, Sforni in veranda che legge (1914 ca.) e il Ritratto
della moglie Isa (1902 ca.) di Oscar Ghiglia.
In mostra, dunque, anche opere a cavallo tra
Ottocento e Novecento che raccontano come le conquiste formali e concettuali
dei Macchiaioli furono recepite e sviluppate dalle successive generazioni di
pittori.
La mostra vede come sponsor Generali Italia. L’evento è consigliato da Sky Arte HD.
La mostra vede come sponsor Generali Italia. L’evento è consigliato da Sky Arte HD.
Il
catalogo è edito da Skira.
Immagine
a corredo: Cristiano Banti, Ritratto della figlia
Alaide. Olio su tavoletta, 30x42 cm. Collezione privata
www.chiostrodelbramante.it
"Correggio e
Parmigianino. Arte a Parma nel Cinquecento" a cura di David Ekserdjian
Attraverso una selezione di capolavori provenienti
dai più importanti musei del mondo, la mostra mette a confronto i percorsi di
due astri assoluti del Rinascimento italiano, Antonio Allegri detto Il
Correggio (1489-1534) e Francesco Mazzola detto Il Parmigianino (1503-1540).
Grazie al formidabile talento di questi due artisti, la città di Parma divenne
all’inizio del XVI secolo un centro artistico in grado di competere a pieno
titolo con le grandi capitali dell’arte italiana come Roma, Firenze e Venezia.
Correggio si recò a Parma solo alla fine degli anni
Dieci del Cinquecento, quando era già all’apice della carriera, e vi rimase per
il resto della sua vita. Con l’intento di esaminarne l’intero percorso
artistico, sono stati selezionati in mostra circa venti dipinti che
sottolineano opportunamente non solo la straordinaria carica emotiva e la gamma
di sentimenti espressi dal Correggio pittore di immagini religiose, ma anche le
sue opere di soggetto mitologico, che ebbero un’enorme influenza sugli artisti
successivi, dai Carracci, a Watteau, fino a Picasso.
Si potranno ammirare capolavori come la Madonna
Barrymore (Washington, National Gallery of Art), il Ritratto di dama (San
Pietroburgo, Museo Statale dell’Ermitage), Il martirio di Quattro santi (Parma,
Galleria Nazionale); Noli me tangere (Madrid, Museo del Prado), La Scuola di Amore
(Londra, National Gallery); Danae (Roma, Galleria Borghese).
Quanto a Parmigianino, la cui carriera lo vide
attivo anche a Roma e a Bologna, il numero di dipinti esposti sarà all’incirca
lo stesso, ma accanto a quelli di soggetto religioso e mitologico, l’accento
sarà posto anche sugli spettacolari risultati ottenuti nel genere del ritratto.
Una ampia selezione di opere su carta metterà in evidenza la profonda diversità
del loro approccio alla pratica del disegno: quello sostanzialmente funzionale
di Correggio sarà accostato alla produzione incomparabilmente più ricca e varia
di Parmigianino, artista mosso da un bisogno quasi ossessivo di disegnare. Tra
i capolavori presenti in mostra si ricorda la grandePala di Bardi, prima opera
realizzata dall’artista all’età di sedici anni, il monumentale San Rocco
dipinto per la Basilica di San Petronio a Bologna, la Conversione di Saulo
(Vienna, KUnsthistorisches Museum); la Madonna di San Zaccaria (Firenze,
Gallerie degli Uffizi); la celeberrima Schiava turca della Galleria Nazionale
di Parma e la cosiddetta "Antea", tra i ritratti più sofisticati e
misteriosi di tutto il Cinquecento.
Oltre a Correggio e Parmigianino, che naturalmente
saranno i protagonisti dell’evento espositivo, la mostra include anche dipinti
e disegni di altri quattro artisti meno celebri ma non meno talentuosi della
cosiddetta Scuola di Parma – Michelangelo Anselmi, Francesco Maria Rondani,
Girolamo Mazzola Bedoli e Giorgio Gandini del Grano – a dimostrazione del fatto
che uno degli effetti più notevoli della presenza a Parma di Correggio e
Parmigianino fu proprio l’emergere di una cerchia di allievi e discepoli.
A cura di
David Ekserdjian
Immagine
a corredo: Parmigianino (Francesco Mazzola), Ritratto di giovane donna detta
"Schiava turca" (particolare). Parma, Galleria Nazionale.
Su
concessione del Ministero dei Beni, delle Attività Culturali e del Turismo –
Polo Museale dell’Emilia Romagna. E’ vietata la duplicazione o riproduzione con
qualsiasi mezzo.
www.scuderiequirinale.it
Street Art - Banksy &
Co.
PALAZZO PEPOLI - Museo
della Storia di Bologna - Bologna - da
venerdì 18 marzo a domenica 26 giugno 2016, vari irari
“musealizzazione” a discapito dell’originaria
collocazione ma a favore della loro conservazione e trasmissione ai posteri. La
mostra Street Art - Banksy & Co. racconta per la prima volta le influenze
sulle arti visive che la street art ha avuto e continua ad avere, passando per
quell’estetica che nacque a New York negli anni ‘70 grazie alla passione per il
lettering e il name writing di giovani dei quartieri periferici della città.
Espone le opere di autori associati al graffiti writing e alla street art, per
creare lungo il percorso le assonanze tra le diverse produzioni e spiegare il
modo in cui sono state recepite dalla società. Il patrimonio artistico è
protagonista dell’inedita esposizione ospitata a Palazzo Pepoli, che con la sua
corte coperta riproduce quella che potrebbe essere una porzione di città, luogo
ideale per raccontare una tappa importante della storia di Bologna. Il fine
utopistico e l’intento sono proteggere e conservare questa forma d’arte e
portare le attuali politiche culturali a riconoscere l’esigenza di una
ridefinizione degli strumenti d’intervento nello spazio urbano perché i
graffiti - oggi più di ieri - influenzano il mondo della grafica, il gusto
delle persone, l’Arte intera di questo secolo.
www.mostrastreetart.it
www.genusbononiae.it/palazzi/palazzo-pepoli/
"La seduzione
dell’antico Da Picasso a Duchamp da De Chirico a Pistoletto" a cura
di Claudio Spadoni
MAR – Museo d'Arte della città di Ravenna - Ravenna - da domenica 21 febbraio a domenica 26 giugno 2016, vari orari
“Quel non so
che di antico e di moderno...” lo scriveva Carlo Carrà dopo la stagione
futurista, in un tempo in cui - era il 1916 - egli stesso era ormai rivolto a
un ripensamento del passato, come scrisse nei suoi due saggi Parlata su Giotto
e Paolo Uccello costruttore. Un pensiero, quello di Carrà, ambiguamente
definito “il ritorno all’ordine” che ormai andava diffondendosi anche oltre i
confini, dopo le “avventurose” sortite delle avanguardie che avevano segnato il
primo Novecento fino alla Grande Guerra. Ma se la fase delle avanguardie
storiche non poteva dirsi conclusa, almeno fino all’entrata in scena del
Surrealismo - di cui il manifesto del 1924 ne suggella la nascita -, il clima
storico era profondamente mutato, come testimoniano i “cambiamenti di rotta” di
diversi protagonisti di quelle stesse avanguardie. La mostra La seduzione dell’antico. Da
Picasso a Duchamp, da De Chirico a Pistoletto narra quanto sia stato
insopprimibile il richiamo all’“antico” lungo tutto il Novecento, come
testimoniato opere di artisti quali De Chirico, Morandi, Carrà, Martini,
Casorati, Sironi, Scipione, Fontana, Guttuso e Clerici, Schifano, Festa,
Angeli, Ceroli, Paolini, Pistoletto, Ontani, Mariani, Paladino, Duchamp, Man
Ray, Picasso e Klein esposte al MAR - Museo d'Arte della città di Ravenna dal
21 febbraio al 26 giugno 2016. La
mostra, promossa dal MAR - Museo d'Arte della città di Ravenna, realizzata
grazie al prezioso sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna e a
cura di Claudio Spadoni, ripercorre la storia del Novecento documentando
artisti e vicende che testimoniano l’attenzione all'“antico” non solo di coloro
estranei alle trasgressioni delle avanguardie, ma anche di molti che, senza
rinnegare la loro appartenenza a movimenti o tendenze, hanno attinto all’antico
proponendo un ritorno alla figuratività più quieta, appoggiata ai valori della
tradizione. Una tradizione intesa come
restituzione moderna di modelli dell’antico, anche fino all’esplicita
citazione; oppure in forma evocativa, come pretesto per una rilettura inedita,
come uno sguardo disincantato rivolto a opere e figure mitizzate del passato da
contestualizzare nella contemporaneità, per giungere alle operazioni più
disincantate e dissacratorie condotte da alcuni artisti. Attraverso otto
sezioni l’esposizione racconta protagonisti come De Chirico, Morandi, Carrà,
Martini e Casorati; il periodo cruciale del “ritorno all’ordine” fra le due
Guerre quando prima Sironi e poi gli artisti italiani più significativi
esponevano sotto l’etichetta del “Novecento”, il movimento promosso da Margherita Sarfatti; fino narrare il
Realismo magico, le versioni diversissime del Neobarocco, da Scipione a Fontana
a Leoncillo; illustrare attraverso le loro opere figure di artisti quali
Guttuso e Clerici; la stagione della Pop Art, con Schifano, Festa, Angeli,
Ceroli, e quindi, nel pieno dell'Arte Povera, raccontare di Paolini e
Pistoletto. E ancora, da Salvo ad Ontani, da Mariani a Paladino e la rilevante
presenza di stranieri quali Duchamp, Man Ray, Picasso, Klein. Il Novecento è stato il secolo all’insegna
del “nuovo” che ha visto le avanguardie dei primi decenni e quindi le
neoavanguardie del secondo dopoguerra protagoniste della scena artistica
internazionale, che la mostra intende descrivere, a cui la critica, i Musei, le
Fondazioni e il mercato dell’arte hanno rivolto sempre maggiori
attenzioni.
Comitato
scientifico Antonio Paolucci, Elena Pontiggia, Marco Bazzocchi, Claudio Spadoni
www.arthemisia.it www.mar.ra.it
"IL SIMBOLISMO Dalla Belle Époque alla
Grande Guerra" a
cura di Fernando Mazzocca e Claudia Zevi in
collaborazione con Michel Draguet.
Il Simbolismo. Arte in Europa dalla Belle Époque alla Grande Guerra è una grande mostra che si inserisce in un preciso programma che Palazzo Reale dedica all’arte tra fine Ottocento e inizio Novecento e che ha già visto l’inaugurazione di Alfons Mucha e le atmosfere art nouveau (fino al 20 marzo 2016).
Promossa dal Comune di Milano-Cultura e prodotta da Palazzo Reale, 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE eArthemisia Group, la mostra è a cura di Fernando Mazzocca e Claudia Zevi in collaborazione con Michel Draguet.
“La prima grande mostra del 2016 di Palazzo Reale è dedicata a uno dei movimenti artistici che hanno marcato il passaggio dall’Ottocento al Novecento, segnando il superamento della rappresentazione oggettiva della realtà e approdando a una dimensione più intima e soggettiva del reale – ha dichiarato l’assessore alla Cultura Filippo Del Corno –. Un percorso suggestivo e affascinante che accompagnerà il visitatore in mostra, conducendolo lungo un percorso di opere straordinarie realizzate da quegli artisti che, nel corso della loro vita, hanno abbracciato il movimento simbolista”.
Con oltre 2.000 mq di superficie espositiva e 24 sale site al piano nobile di Palazzo Reale di Milano, Il Simbolismo. Arte in Europa dalla Belle Époque alla Grande Guerra mette per la prima volta a confronto i simbolisti italiani con quelli stranieri grazie a circa un centinaio di dipinti, oltre alla scultura e una eccezionale selezione di grafica, che rappresenta uno dei versanti più interessanti della produzione artistica del Simbolismo, provenienti da importanti istituzioni museali italiane ed europee oltre che da collezioni private.
www.palazzorealemilano.it
"MATISSE E IL SUO TEMPO" a cura di Cécile Debray
PALAZZO CHIABLESE - Torino - da sabato 12
dicembre 2015 a domenica 15 maggio 2016 - orari vari
Promossa
dal Comune di Torino --‐
Assessorato alla Cultura, dalla Direzione Regionale per i Beni Culturali e
Paesaggistici del Piemonte e dal Polo Reale di Torino e organizzata dal Centre
Pompidou di Parigi, 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE e Arthemisia Group.
“Ho lavorato per arricchire la mia
intelligenza, per soddisfare le differenti esigenze del mio spirito, sforzando
tutto il mio essere alla comprensione delle diverse interpretazioni dell’arte
plastica date dagli antichi maestri e dai moderni.” Henri Matisse,
Notes d'un peintre in “La Grande
Revue”, 25 dicembre 1908 Matisse “l’ansioso, il follemente anioso” -¬‐ così lo descrive uno dei suoi amici
divisionisti --‐ domina l’arte della prima metà del
XX Secolo ed è considerato uno delle coscienze artistiche più affascinanti del
Novecento. Sempre al centro di dibattiti, durante tutta la sua carriera è stato
capogruppo dei fauves, osservatore critico del cubismo, discepolo di Signac,
Renoir e Bonnard, rivale di Picasso, maestro d’accademia e infine precursore di
un’arte che anticipa l’espressionismo astratto newyorkese. Con 50 opere di
Matisse e 47 di artisti a lui coevi quali Picasso, Renoir, Bonnard, Modigliani,
Miró, Derain, Braque, Marquet, Léger – tutte provenienti dal Centre Pompidou –
la mostra “Matisse e il suo tempo” si prefigge di mostrare le opere di Matisse
attraverso l’esatto contesto delle sue amicizie e degli scambi artistici con
altri pittori.
Così, per mezzo di confronti visivi
con opere di artisti suoi contemporanei, sarà possibile cogliere non solo le
sottili influenze reciproche o le fonti comuni di ispirazione, ma anche una
sorta di “spirito del tempo”, che unisce Matisse e gli altri artisti e che
coinvolge momenti finora poco studiati, come il modernismo degli anni quaranta
e cinquanta. Opere di Matisse quali Icaro (della serie Jazz del 1947), Grande
interno rosso (1948), Ragazza vestita di bianco, su fondo rosso (1946) sono
messe a confronto con i quadri di Picasso, come Nudo con berretto turco (1955),
di Braque, come Toeletta davanti alla finestra (1942), di Léger, come Il tempo
libero – Omaggio a Louis David (1948--‐1949)
Promossa dal Comune di Torino --‐ Assessorato alla Cultura, dalla
Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici del Piemonte e dal
Polo Reale di Torino e organizzata dal Centre Pompidou di Parigi, 24 ORE
Cultura – Gruppo 24 ORE e Arthemisia Group,
La mostra curata da Cécile Debray
conservatore Centre Pompidou. Dieci sezioni in mostra illustrano, secondo un
percorso cronologico intercalato da approfondimenti tematici, le figure
matissiane delle odalische --‐ come in Odalisca con pantaloni rossi del 1921 --‐; la raffigurazione dell’atelier,
soggetto ricorrente nell’opera di Matisse ma che, negli anni bui della Seconda
Guerra Mondiale, dà luogo a quadri stupefacenti a firma di Braque (L'Atelier IX,
1952--‐56) e Picasso (Lo studio, 1955);
l’opera e il percorso di Matisse dai suoi esordi con Gustave Moreau (1897--‐99) fino alla sua scomparsa negli
anni Sessanta e alle ultime carte dipinte e ritagliate.
Sponsor:
Lottomatica e come sponsor tecnici Grandi Stazioni, Trenitalia, Coop, Canale
Arte.
Con
il supporto di La Rinascente.
L'evento è consigliato da Sky Arte HD. Il
catalogo è edito da 24 ORE Cultura --‐
Gruppo 24 ORE.
www.mostramatisse.it
"Toulouse-Lautrec La collezione del Museo di Belle Arti di Budapest"
MUSEO
DELL'ARA PACIS - Roma - da venerdì 4 dicembre 2015 a domenica 8 maggio
2016 - orari vari
Promossa e prodotta da Roma Capitale - Sovrintendenza
Capitolina ai Beni Culturali e Arthemisia Group e organizzata con Zètema Progetto Cultura.“[…] la novità è raramente l'essenziale. Questo ha a che fare con una cosa sola: rappresentare un soggetto meglio di quanto faccia la sua natura intrinseca.”
Henri de Toulouse-Lautrec
Con circa 170 opere provenienti dal Museo di Belle Arti di Budapest, arriva al Museo dell’Ara Pacis di Roma una grande mostra su Toulouse-Lautrec, il pittore bohémien della
Parigi di fine Ottocento, che ripercorre l’attività dell’artista dal 1891 al
1900, poco prima della sua morte avvenuta a soli 36 anni.
La mostra, promossa e prodotta da Roma Capitale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e Arthemisia Group e organizzata con Zètema Progetto Cultura, consentirà di portare a Roma il fiore della raccolta di opere di Toulouse-Lautrec conservata Al Museo di Belle Arti di Budapest (Szépmű vészeti Múzeum), uno dei più importanti in Europa, con capolavori che vanno dal Medioevo al Novecento. In occasione dell’esposizione romana, curata da Zsuzsa Gonda e Kata Bodor, circa 170 litografie della collezione (tra cui otto affiches di grande formato e due cover degli album della cantante, attrice e scrittrice francese Yvette Guilbert con circa 10 litografie) lasceranno Budapest per essere esposte al Museo dell’Ara Pacis dal 4 dicembre 2015 all’8 maggio 2016.
Attraverso questa esposizione sarà possibile conoscere a tutto tondo l'opera grafica di Toulouse-Lautrec: manifesti, illustrazioni, copertine di spartiti e locandine, alcune delle quali sono autentiche rarità perché stampate in tirature limitate, firmate e numerate e corredate dalla dedica dell'artista.
Henri de Toulouse-Lautrec è considerato il più famoso maestro di manifesti e stampe tra il XIX e XX Secolo. Tra le peculiarità della sua arte, è l’avere come soggetto la più disparata umanità illustrata in momenti quotidiani o di divertimento, affascinando così la borghesia francese. Sua grande fonte d’ispirazione è il quartiere parigino di Montmartre e la maggior parte delle sue opere sono riconducibili alla vita notturna e ai locali di questa zona. Sono rappresentazione d’istanti di vita quotidiana che Lautrec restituisce con un effetto di grande immediatezza: in poco tempo l’artista diventa uno degli illustratori e disegnatori più richiesti di Parigi; gli sono commissionati manifesti pubblicitari per le rappresentazioni teatrali, i balletti e gli spettacoli, oltre che illustrazioni d’importanti riviste dell’epoca, come la satirica Le Rire.
Nel percorso di mostra, oltre le opere di Toulouse-Lautrec, rare immagini (fotografie e riprese cinematografiche) d’inizio Novecento evocano la Parigi della Belle Époque. Inoltre, un’applicazione interattiva guida il visitatore alla scoperta della tecnica litografica e delle tecniche di stampa di fine Ottocento, dai colori accesi e la riproduzione su vasta scala, ai presupposti per la nascita del manifesto pubblicitario, di cui egli è stato con la sua arte il precursore.
La mostra vede come sponsor Generali Italia, come sponsor tecnico Codognotto e come partner dell’iniziativa Trenitalia.
La mostra, promossa e prodotta da Roma Capitale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e Arthemisia Group e organizzata con Zètema Progetto Cultura, consentirà di portare a Roma il fiore della raccolta di opere di Toulouse-Lautrec conservata Al Museo di Belle Arti di Budapest (Szépmű vészeti Múzeum), uno dei più importanti in Europa, con capolavori che vanno dal Medioevo al Novecento. In occasione dell’esposizione romana, curata da Zsuzsa Gonda e Kata Bodor, circa 170 litografie della collezione (tra cui otto affiches di grande formato e due cover degli album della cantante, attrice e scrittrice francese Yvette Guilbert con circa 10 litografie) lasceranno Budapest per essere esposte al Museo dell’Ara Pacis dal 4 dicembre 2015 all’8 maggio 2016.
Attraverso questa esposizione sarà possibile conoscere a tutto tondo l'opera grafica di Toulouse-Lautrec: manifesti, illustrazioni, copertine di spartiti e locandine, alcune delle quali sono autentiche rarità perché stampate in tirature limitate, firmate e numerate e corredate dalla dedica dell'artista.
Henri de Toulouse-Lautrec è considerato il più famoso maestro di manifesti e stampe tra il XIX e XX Secolo. Tra le peculiarità della sua arte, è l’avere come soggetto la più disparata umanità illustrata in momenti quotidiani o di divertimento, affascinando così la borghesia francese. Sua grande fonte d’ispirazione è il quartiere parigino di Montmartre e la maggior parte delle sue opere sono riconducibili alla vita notturna e ai locali di questa zona. Sono rappresentazione d’istanti di vita quotidiana che Lautrec restituisce con un effetto di grande immediatezza: in poco tempo l’artista diventa uno degli illustratori e disegnatori più richiesti di Parigi; gli sono commissionati manifesti pubblicitari per le rappresentazioni teatrali, i balletti e gli spettacoli, oltre che illustrazioni d’importanti riviste dell’epoca, come la satirica Le Rire.
Nel percorso di mostra, oltre le opere di Toulouse-Lautrec, rare immagini (fotografie e riprese cinematografiche) d’inizio Novecento evocano la Parigi della Belle Époque. Inoltre, un’applicazione interattiva guida il visitatore alla scoperta della tecnica litografica e delle tecniche di stampa di fine Ottocento, dai colori accesi e la riproduzione su vasta scala, ai presupposti per la nascita del manifesto pubblicitario, di cui egli è stato con la sua arte il precursore.
La mostra vede come sponsor Generali Italia, come sponsor tecnico Codognotto e come partner dell’iniziativa Trenitalia.
Media
coverage by Sky Arte HD. -
Il catalogo è edito da Skira.
www.arapacis.it
Kirosegnaliamo esce all’inizio di ogni settimana, chi
volesse darci comunicazione di eventi con rilievo artistico-culturale può
scriverci a kirolandia@gmail.com oppure info@kirolandia.com, entro la domenica precedente, specificando chiaramente la richiesta
di segnalazione, provvederemo previa specifica selezione all'inserimento …
