KIROSEGNALIAMO dal 26 Marzo al 1 Aprile 2019

K-news  

Kiri, proseguono per questa stagione le kirosegnalazioni di  Kirolandia blog di cooperazione dell'omonima corrente culturale.

Di settimana in settimana vari suggerimenti tra teatro, musica, arte, cinema, danza, libri  e tanti altri eventi  selezionati  accuratamente sulla base delle vostre importanti indicazioni.

Quest'anno i nostri suggerimenti raddoppiano non solo qui sul blog ma, per alcuni eventi, ci sono anche le KIROSOCIALNEWS lanci mirati sui nostri social. Seguite sempre gli hastag #kirosegnalazioni e  #kirosocialnews  e scoprirete tutte le novità per le vostre serate...

Dunque ecco per sognare con voi...

TEATRO

DEBUTTANO...

R.C. e Xenia presentano:

"DI-VI-NA"

PER VOCAZIONE STAR

di e con Riccardo Castagnari

accompagnato da Andrea Calvani al pianoforte

Assistente Costumi Francesco De Marco, Luci Luca Capparucci, Assistente Regia Adriana Alben

Regia di Riccardo Castagnari

TEATRO LO SPAZIO - Roma

dal  26 al  30 marzo 2019 - orario: 20.30.

 

Niente è mai come sembra. Castagnari torna in scena a tempo di musica, come una vera Diva. Anzi: DI-VI-NA!

Era il 2001 quando Riccardo Castagnari stregò tutti con la sua Marlene D. che proprio quest’anno ha festeggiato il suo diciottesimo compleanno. Un bellissimo racconto su una grande femme fatale, da cui Castagnari si è allontanato per evocare un'altra storia.

Stiamo parlando di DI-VI-NA, per Vocazione Star, lo spettacolo con cui il talentuoso attore e regista debutterà al Teatro Lo Spazio  dopo il successo riportato nella passata stagione all’OffOff Theatre.

Rivivremo il privato attimo in cui una drag queen, o per esser più precisi una drag singer di nome Divina (Riccardo Castagnari), giunta in ritardo alla serata in cui avrebbe dovuto esibirsi, decide di non fare più il suo consueto show, ma di concedersi una lunga chiacchierata con il pubblico, senza filtro alcuno, un "faccia a faccia" tra lui, lei e loro, dove da contrasto faranno i brani scelti ed interpretati dal vivo da Divina. Ad accompagnarla ci sarà Andrea Calvani al pianoforte, le cui note insieme al talento vocale ed interpretativo di Castagnari, scandiranno il tempo dello spettacolo.

La chiacchierata metterà a nudo il passato della drag singer, la sua infanzia, i suoi amori, la sua passione per il cinema, il vissuto difficile, ironico e spesso impensabile di Divina. Una storia apparentemente al limite, tanto paradossale quanto rigorosamente vera. Uno sproloquio di canzoni e parole quanto banale e quotidiano, profondamente umano, disperato, tragi-comico e appassionato, che tra numeri musicali, vertiginosi cambi d'abito e interazioni con il pubblico, condurrà gli spettatori ad un finale in cui, per dirla come Divina << ...niente è mai come sembra, se togliessi un po’ di cerone, strappassi via le ciglia finte e buttassi le parrucche forse mi accorgerei che sotto sotto c’è dell’altro… >>.

                                                         

       “ […] Una storia raccontata e vissuta in prima persona dove il gioco dell’ ambiguità  si manifesta più nel sovrapporsi dei ruoli che non nell’identità sessuale, dove la risata esorcizza lacrime e sesso, dove l’inferno si scambia di posto con il paradiso …un percorso che si rivela ‘iniziatico’ poiché il culto è la maschera, è l’altro da sé, è la fuga dal proprio io per impossessarsi dell’altro [...]” (L.B.)

Costo: Biglietto Intero 12€ - ridotto 9€ + 3€ tessera semmestrale

Informazioni:  06.77076486 – 06.77204149 - info@teatrolospazio.it

Indirizzo: via Locri 44, Roma

Sito di riferimento: www.teatrolospazio.it

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Avviso ai Soci

L'Associazione Culturale Teatro Trastevere

presenta

La Compagnia vincitrice del Roma Fringe Festival 2019

(Miglior spettacolo PEZZI di Laura Nardinocchi)

in

"CENERE"

Tratto da “I Morti” di James Joyce

Regia e drammaturgia: Laura Nardinocchi

Con: Francesco Gentile, Ilaria Giorgi, Claudia Guidi, Guido Targetti

Live music: Francesco Gentile

Scene: Ludovica Muraca e Margherita Nardinocchi

Costumi: Rosalba Di Carlo

Foto: Simone Galli

Produzione Teatro Del Carretto

TEATRO TRASTEVERE -  Roma

dal 26 al 31 marzo 2019, ore 21.00_dom. 17.30

Un uomo e una donna. Una coppia. Gabriele e Greta.

Fuori nevica ancora. Nevica forte.

È la notte di capodanno.

Si deve festeggiare.

Si deve stare insieme.

Si deve stare bene. Si deve stare bene per forza.

Una festa che schiaccia, violenta, deride.

Con musica, risatine e discorsi non impegnativi.

Una festa dove il passato torna a bussare.

E il ricordo diventa vivo, reale.

Più di tutto il resto.

“Dovremmo scendere. Dovremmo andare lì. Giocare nella neve, di notte. Recuperare gli anni passati. Tornare bambini. Tornare nel pieno della nostra passione. C’è ancora tempo?”

Un uomo e una donna. Una coppia.  Gabriele e Greta sono il centro di tutto. Il loro rapporto, le loro dinamiche. I loro momenti di gioco, di sguardi, di protezione. I loro momenti di scontro e di complicità.

Insieme vanno in un ambiente che non gli appartiene. Insieme, vanno a quella festa di capodanno. Una festa fatta di apparenze, tradizioni vuote, superficialità. Una festa in cui tutti hanno gli stessi atteggiamenti, gli stessi pensieri e lo stesso obiettivo: divertirsi, staccare la testa. Una festa in cui Greta, improvvisamente, si trova immersa dentro un ricordo.  Un ricordo segreto agli occhi di Gabriele. Un ricordo che li divide, che li rende estranei. E quel segreto del passato diventa per lei più vivo e reale di tutto il resto.

Costo:  Biglietto intero 12 € - ridotto 10 €

Kiroconvenzione: INGRESSO RIDOTTO per tutti i  Kiri iscitti alla pagina facebook  di KIROLANDIA - Media Partner del Teatro

Informazioni: 06.5814004 - info@teatrotrastevere.it

Indirizzo: via Jacopa de Settesoli 3 - Roma

Sito di riferimento teatro: www.teatrotrastevere.it

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Spettacoli Teatrali Produzioni presenta

MARISA LAURITO  -  FIORETTA MARI in

"2 DONNE IN FUGA…"

di Pierre Palmade e Cristophe Duthuron

adattamento Mario Scaletta

regia Nicasio Anzelmo

Teatro manzoni - Roma

dal 28 marzo al 21 aprile 2019, orari spettacoli: Giovedì 28 e venerdì 29 ore 21.00 - Sabato 30 ore 17.00 e ore 21.00 - Domenica 31 ore 17.30 - Da mercoledì 2 a venerdì 5 ore 21.00 - Sabato 6 doppia replica ore 17.00 e ore 21.00 - Domenica 7 ore 17.30 - Da martedì 9 a venerdì 12 ore 21.00 - Sabato 13 doppia replica ore 17.00 e ore 21.00 - Domenica 14 ore 17.30 - Martedì 16 ore 19.00 - Mercoledì 17 ore 21,.00 - Giovedì 18 ore 17.00 e ore 21.00 - Venerdì 19 ore 21.00 - Sabato 20 doppia replica ore 17.00 e ore 21.00 - Domenica 21 ore 17.30

Un testo di successo, in Francia, soprattutto a Parigi. Due attrici grandiose – Marisa Laurito e Fioretta Mari - che lo reciteranno come fosse stato scritto per loro. Questo è 2 Donne in Fuga... tratto da Le fuggitive di Pierre Palmade e Christophe Duthuron, per l’adattamento di Mario Scaletta e la regia di Nicasio Anzelmo, in scena al Teatro Manzoni.

Due donne si incontrano di notte su una strada statale mentre fanno l'autostop. Entrambe fuggono dalla loro vita, Margherita da 30 anni di vita di casalinga, moglie e madre repressa, Clorinda detta Clo dalla casa di riposo dove il figlio l'ha parcheggiata dopo la morte del marito. L'incontro suscita le battute più divertenti, per il luogo e l'ora equivoci.

Clo ha un temperamento forte e, nonostante l'età, non si lascia intimidire da Margherita, più giovane ma anche più sprovveduta. E' l'inizio di un'avventura che vede le due donne viaggiare in autostop, interpretando una commedia dalle battute felici che non sono mai fini a se stesse ma servono a costruire con ironia i caratteri diversissimi delle due donne.

Così mentre la progressione narrativa della commedia, sviluppata per brevi scene autonome, eleganti e funzionali, vede le due donne avventurarsi in situazioni diversissime (dalla strada provinciale al cimitero, dalla fattoria alla casa di estranei nella quale entrano come due ladre...), dalle quali scaturiscono battute e situazioni divertentissime, ogni scena aggiunge un tassello alla vita e alla psicologia delle due protagoniste mostrando allo spettatore il nascere di una vera amicizia. Si ride di gusto per l'ironia e l'arguzia delle battute e si sorride nel riconoscere, nelle due protagoniste, alcuni aspetti della nostra vita, a volte pavida, altre volte più temeraria, in un perfetto equilibrio tra commedia e vita (vera), niente affatto retorico.  Uno spettacolo perfetto, da vedere e portare nel cuore per il resto della vita.

Costo:  Vedi sito

Informazioni: 06/3223634

Indirizzo: via Monte Zebio, 14/c - Roma

Sito di riferimento teatro: www.teatromanzoni.info

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"Lui è più cattivo di me"

Spettacolo comico nato dal successo della pagina Facebook GRILLETTO FACILE

dall’idea di due amici: SERGIO GIUFFRIDA e GIANLUCA IRTI

WEGIL - Roma

30 Marzo 2019 - ore 21.00

Il Centro Culturale Artemia, con il supporto di LAZIOcrea, presenta al WEGIL uno spettacolo comico, satirico e cattivo!

 

L'evento è stato selezionato attraverso un avviso pubblico dalla Regione Lazio ed è organizzato dal Centro Culturale Artemia con il supporto di LAZIOcrea.

“Lui è più cattivo di me” è uno spettacolo comico nato dal successo di una pagina Facebook, GRILLETTO FACILE, e dall’idea di due amici: SERGIO GIUFFRIDA e GIANLUCA IRTI, cabarettisti che hanno avuto le loro esperienze come comici o autori, da Colorado a Zelig a Made in Sud ed hanno deciso di portare la propria comicità a livelli più cattivi (da cui il titolo), occupandosi di politica, ambiente, vaccini, web, scuola, migranti, ETC. Tra i protagonisti dello spettacolo ovviamente ci sarà anche il pizzaiolo egiziano divenuto famoso grazie alle telefonate al suo amico Kamel in Egitto, a cui cerca di spiegare a suo modo come funziona, o non funziona l’Italia. Lo spettacolo alterna monologhi di satira a divertentissimi sketch a due e ci saranno momenti in cui poter riflettere sulla realtà che stiamo vivendo. Si passa dalle grasse risate ad una amara malinconia con l’intento di non essere mai volgari e di fare una comicità intelligente.

Costo: Biglietto 10 €

Info e prenotazioni (anche via SMS): 334 159 8407

Indirizzo: Largo Ascianghi, 5 - Roma

Sito di riferimento teatro: www.wegil.it

Sito di riferimento CENTRO CULTURALE ARTEMIA: www.centroculturaleartemia.org

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PROSEGUONO...

"I giganti della montagna"

di Luigi Pirandello

con

Federica Di Martino, Clemente Pernarella, Giovanna Guida, Mauro Mandolini

Lorenzo Terenzi, Gianni De Lellis, Federico Le Pera, Luca Massaro: la Compagnia della Contessa

Gabriele Lavia: Cotrone detto il Mago

Nellina Laganà, Ludovica Apollonj Ghetti, Michele Demaria, Daniele Biagini

Marika Pugliatti, Beatrice Ceccherini - iNuovi: gli Scalognati

Luca Pedron - iNuovi, Laura Pinato - iNuovi, Francesco Grossi - iNuovi

Davide Diamanti - iNuovi, Debora Iannotta, Sara Pallini, Roberta Catanese

Eleonora Tiberia: i Fantocci (personaggi della Favola del figlio cambiato)

Scene Alessandro Camera

Costumi Andrea Viotti

Musiche Antonio Di Pofi

Luci Michelangelo Vitullo

Maschere Elena Bianchini

Coreografie Adriana Borriello

Regia Gabriele Lavia

TEATRO Eliseo - Roma

dal 13 al 31 marzo  2019 , martedì, giovedì, venerdì e sabato ore 20.00_ primo sabato di programmazione ore 16.00 e 20.00_merc. e dom. ore 17.00

Gabriele Lavia, dopo Sei personaggi in cerca d’autore e L’uomo dal fiore in bocca... e non solo, chiude la sua personale trilogia pirandelliana con I giganti della montagna, “l’ultimo dei miti, testamento artistico di Luigi Pirandello, il punto più alto e la sintesi di tutta la sua poetica”. La nuova produzione della Fondazione Teatro della Toscana, in coproduzione con il Teatro Stabile di Torino e il Teatro Biondo di Palermo, debutta al Teatro Eliseo.

Una compagnia di teatranti guidata dalla contessa Ilse arriva alla villa detta La Scalogna, dove vive uno “strano” mago che dà loro rifugio: Cotrone, che dice di essersi fatto “turco” per il “fallimento della poesia della cristianità”.

Scrive Gabriele Lavia nelle note di regia: “Ho sempre pensato che i “ragionamenti” così “appassionati” e “freddi” dei personaggi pirandelliani non fossero che delirio, fuoco. Il suo razionale, costante, lucido rovello fosse calor bianco e la sua dialettica, lucida e distaccata, fosse proprio il ronzio di una “mosca impazzita dentro una bottiglia”.

La trasparenza del vetro rende indecifrabile e incomprensibile la “trappola” dentro cui si è infilata.

L’esistenza di questa piccolissima “bestia” non è altro che un inutile volo ronzante e pazzo: una vita priva di senso. “Siamo rimasti nel mistero e senza Dio”.

È noto che Pirandello, giovane studente all’Università di Bonn, alle domande preliminari per l’ammissione, una delle quali era quale fosse la religione professata, rispose: “Ateo”. Il segretario che redigeva la piccola inchiesta sollevò lo sguardo per qualche secondo. Il giovane Pirandello scrisse, poi, alla sorella: “A Bonn, ogni due abitanti, tre sono bigotti.”

Il “mistero senza Dio”, la bottiglia invisibile che intrappola la Mosca Uomo, è l’“oltre”.

L’“oltre” è qualcosa che non può essere colto, ma che ci coglie. Tutta l’opera di Pirandello ruota intorno a questo “mistero” e si protende verso il mistero dell’“oltre”, trappola trasparente, invisibile, ineludibile, incomprensibile dell’uomo.

La trappola è una famosa novella, appunto, di Luigi Pirandello.

L’irrazionale, l’onirico, il misterioso, il teosofico, lo spiritico, proteso (nel suo modo di ateo) al divino, ma in senso “greco”, sono presenti nella sua opera. E sono la “bottiglia” dentro cui “ronza”, fino a estenuarsi, il suo delirante racconto poetico dell’uomo intrappolato.

La vita è un flusso continuo che noi cerchiamo d’arrestare, di fissare in forme stabili, determinate dentro e fuori di noi, perché noi siamo già forme fissate e la coscienza è una momentanea costruzione di finzioni psichiche oltre le quali c’è un’altra realtà che per noi è inconoscibile: schiavi come siamo della “bestia” che è in noi.

L’“Umorismo”, che il “grande” lo fa “piccolo” (l’uomo è una mosca, la vita è una bottiglia) è, per definizione, quel “sentimento del contrario” che serve per rovesciare e scardinare tutte le certezze e talora infrangere la bottiglia-trappola e trovarsi… “oltre”; magari con “la testa rotta”, ma… “oltre”.

I giganti della montagna è certamente il punto più “alto” di quell’ “oltre”. Oltre l’esistenza sconciata della vita-trappola.

Nella Villa La Scalogna, il cui padrone, non a caso, è il Mago-Cotrone-Pirandello, accadono le magie dell’Arte: straordinari prodigi che non hanno bisogno di mezzi materiali per accadere. Accadono e basta. E “vanno accolti”. Questi eventi sono possibili solo nel mondo dell’”oltre”, della fantasia, della sovra-realtà, ai confini della coscienza, ai margini dell’esistenza, dove finiscono quel gruppo di attori sperduti e disperati (perché senza più un Teatro dove recitare), goffi sacerdoti di un’arte delusa, infelice, incompresa, impoverita com’è diventato il Teatro.

“Tempo e luogo (dice la didascalia) indeterminati, tra la favola e la realtà”.

Ed è in questo “luogo sospeso”... in questo “tempo non misurato… che il Teatro può accadere… nella “finita infinità” che è la solitudine dell’ “anima sola con se stessa”.

Noi sappiamo che Pirandello “sapeva con certezza” di dover morire mentre scriveva i Giganti, il cui titolo iniziale doveva essere I fantasmi.

Al medico che lo visitava aveva domandato, un po’ irritato, (lo era sempre quando non stava bene): “Dottore mi vuol dire che è questo?”. E il dottore gli aveva risposto: “Professore... lei non deve aver paura delle parole…. questo è… morire.”

Pirandello, che stava scrivendo una nuova sceneggiatura del Mattia Pascal, la mette da parte e scrive i Giganti di cui aveva già alcune scene del primo atto.

Alla fine del secondo atto scrive le ultime cinque parole della sua vita e di tutto il Teatro delle maschere nude: “Io ho paura, ho paura...”

È proprio quell’ “Io…” che mi fa pensare che Pirandello sapesse, e con paura, che non avrebbe mai scritto il terzo atto, lasciando I giganti della montagna meravigliosamente compiuti nella perfetta incompiutezza umana.

Produzione Fondazione Teatro della Toscana

in coproduzione con Teatro Stabile di Torino, Teatro Biondo di Palermo

con il contributo di Regione Sicilia

e con il sostegno di ATCL - Associazione Teatrale fra i Comuni del Lazio, Comune di Montalto di Castro,

Comune di Viterbo

La vita è vento, la vita è mare, la vita è fuoco. Non la terra che s’incrosta e assume forma.

Ogni forma è la morte

Durata:  2 ore e 15’ intervallo compreso – 2 atti (1 ora e 10 – 45 minuti)

Costo: Biglietto da 20 € a 40 €

Informazioni: Tel. 06.83510216

Indirizzo: via Nazionale 183 –Roma

Sito di riferimento teatro: www.teatroeliseo.com

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Stagione Campioni  

"SEGRETI DI FAMIGLIA"  

uno spettacolo di Attori & Tecnici   

Scritto da Enrico Luttmann

con Viviana Toniolo e Stefano Messina

regia Marco Maria Casazza

TEATRO DE' SERVI - Roma

dal 15 al 31 marzo,  ore 21.00_sab 17.30 e 21.00_dom. 17.30

Grazia è una donna tenace, imperfetta, adorabile. Grazia fa le cose a modo suo.  

Grazia ha un caratteraccio, un caustico senso dello humour e molti segreti: una misteriosa scatola nascosta, un tubino nero mai indossato e l’ultimo, il più oscuro, un tumore ai polmoni.

Suo figlio Adamo, commediografo in crisi in fuga dalla soap-opera, torna a vivere con lei e sono subito scintille.

Anche lui, però, ha i suoi segreti e l’inaspettata convivenza riporta a galla vecchie storie che sembravano destinate a rimanere sepolte per sempre.

Tra verità rivelate a denti stretti, battute e frecciate indimenticabili, Grazia rivive burbera e irresistibile nel racconto del figlio. Lui narrando al pubblico quei giorni passati insieme traccia la mappa di un viaggio verso l’autenticità gettando nuova luce su tutta la loro storia.

Grazie rivendica il diritto a essere se stessa - viva, ironica, testarda – a tutti i costi. E a dispetto degli errori commessi, proprio grazie alla presenza ‘scomoda’ di Adamo troverà la forza di fare i conti col passato e affrontare a testa alta, e non più sola, quello che verrà. Lo farà con lucidità, dignità e tenerezza. Persino, sì, ridendo.

La scelta da parte di Attori & Tecnici di produrre questo nuovo spettacolo nasce, innanzitutto, da un’esperienza emozionale condivisa da molti membri della Compagnia dopo aver letto il meraviglioso testo di Enrico Luttmann. Prima fra tutti la direttrice artistica Viviana Toniolo che subito ha riconosciuto le potenzialità drammaturgiche di quest’opera. La Compagnia ha da sempre rivolto una particolare attenzione alla nuova drammaturgia contemporanea, come testimoniano il lavoro artistico e le numerose regie firmate da Attilio Corsini e Stefano Messina.

Costo: Biglietti  platea  intero  22 € - ridotto G/A 16 € -  galleria intero  18 €  - ridotto G/A  14€  (ridotto giovani under 18 e anziani over 65)

Indirizzo: via del Mortaro (ang. Via del Tritone), 22 - Roma

Sito di riferimento teatro: www.teatroservi.it

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MANIFESTAZIONI

"Il Sipario delle Donne –2019: quattro spettacoli teatrali al femminile sul palco del Centro Culturale Artemia"

Una rassegna che celebra “l’universo femminile” attraverso il Teatro.

Con il patrocinio del Comune di Roma – Municipio XI Arvalia Portuense

CENTRO CULTURALE ARTEMIA - Roma

dall'8 al 31 marzo 2019, vari orari

Anche quest’anno continua, la Rassegna Teatrale “Il Sipario delle Donne” organizzata dal Centro Culturale Artemia, polo creativo romano da sempre attento alla promozione di forme espressive e creative, nel segno dell’artisticità, della cultura e la qualità.

La rassegna, nella sua terza edizione, vedrà protagonisti gli spettacoli “Paura” di Carlo Studer & Federica Gumina, “Luci D’Autunno” di Francesca La Scala, “Sprovvisti di documenti di riconoscimento” di Francesca Gambini e Lara Panizzi, ed infine “Civico 48” di Sophia Angelozzi ed Ilaria Arcangeli.

Questo venerdì 29, sabato 30 (alle ore 21) e domenica 31 marzo (alle ore 18) chiuderà la rassegna lo spettacolo “Civico 48” di e con Sophia Angelozzi & Ilaria Arcangeli.

Lo spettacolo prende piede dal desiderio di rispondere a delle semplici domande: “Cosa significa non poter avere un figlio? E cosa significa volerlo perdere?”, “Cosa c’è dietro il primo bacio di un’adolescente?”, “Cosa porta una ragazza a respingere il cibo?”, “È giusto essere punita per fare bene il proprio mestiere?” “È possibile avere una famiglia senza perdere il lavoro?”.

Due sorelle, apparentemente diverse ma con qualcosa che le accomuna: la curiosità di trovare informazioni sulla loro madre deceduta. Questo le spingerà ad intrufolarsi nella casa dove lei viveva da ragazza. Lo spettacolo diventa dunque un contenitore di racconti al femminile. I racconti si alternano dando allo spettatore una visione della donna in tutte le sue sfaccettature, colori ed età.

Con il patrocinio di: Comune di Roma – Municipio XI Arvalia Portuense

Direzione artistica: Maria Paola Canepa

Media Partner: KIROLANDIA

Costo: Biglietto Intero: 10 €- Ridotto: 8 € - Tessera nuovi soci 2 €.

Kiroconvenzione: INGRESSO RIDOTTO su prenotazione  per tutti i  Kiri iscitti alla pagina facebook  di Kirolandia - Media partner del Teatro 
Informazioni e prenotazioni: 334 1598407 anche sms -  si prega di arrivare 15 minuti in anticipo

Indirizzo: Via Amilcare Cucchini, 38 - Roma

Sito di riferimento centro: www.centroculturaleartemia.it

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DANZA

La Fabbrica dell'Attore – Teatro Vascello Roma
"ABITARE LA BATTAGLIA
(CONSEGUENZE DEL MACBETH)"
regia Pierpaolo Sepe
con Federico Antonello, Marco Celli, Paolo Faroni, Noemi Francesca, Biagio Musella Vincenzo Paolicelli, Alessandro Ienzi
drammaturga Elettra Capuano
movimenti di scena Valia La Rocca, costumi Clelia Catalano
luci Marco Ghidelli, elementi di scena Cristina Gasparrini

assistente scene Clelia Catalano

TEATRO VASCELLO  - Roma

dal 27 al 31 marzo 2019  dal martedì al sabato ore 21.00 – domenica ore 18.00

La nascita del male, il suo insinuarsi nell'animo umano ed il conseguente controllo della volontà, determina il più feroce e inammissibile conflitto che la coscienza debba sopportare. È questo l'avvio del Macbeth, è questo il campo di battaglia. Quello che avviene una volta che le forze si schierano sul campo tuttavia, stupisce. Quasi che lo stesso Shakespeare ci stesse incitando non a patteggiare per l'uno o l'altro schieramento, ma a gioire del massacro in sé, dello smembramento dei corpi, a trovare piacere nello sgorgare a fiotti del sangue. Non una sconfessione del peccato, ma un godimento di esso. Il luogo in cui si svolge questa battaglia è uno spazio vuoto, una brughiera troppo lontana da Dio perché i suoi echi possano raggiungerci. Il riparo da questo sguardo divino ci offre un'orribile
scoperta: il punto cieco di Dio coincide con la nascita di un altro tipo di sguardo, quello osceno del voyeur.
Dopotutto, il punto di vista scespiriano attinge da quello della tragedia greca, dove la messa in scena di passioni che sconfinano nel male e nella violenza servono a produrre quella che veniva chiamata "catarsi" ovvero "purificazione" e che Aristotele indica come la liberazione dalle passioni tramite la visione della tragedia. Che sia proprio il voyeurismo delle passioni che il teatro ci mostra senza filtri morali a liberarcene? Shakespeare ne era conscio: in nessuna delle sue opere c'è mai giudizio (come nella tragedia greca) bensì rappresentazione della passione e di tutti i conflitti che ne derivano. In Macbeth, però, questa rappresentazione è più feroce che altrove e il gioco forse si ribalta del tutto: e se la liberazione non esistesse realmente? Se la liberazione fosse abbracciare la corruzione della
mente e dell'animo, anziché allontanarsene, in uno slancio vitale che travolge tutto? Come se vivere le proprie passioni volesse dire aprire un gorgo infernale che risucchia ogni cosa e sul cui fondo si scopre che "La vita non è un'ombra che passa, la recita di un oscuro attore che si pavoneggia e si affanna sulla scena"; verità banale di per sé (chi non sa che si deve morire e che la vita è vana?) se non fosse che abbiamo visto Macbeth – e non solo lui – dannarsi l'anima per conseguire un fine che pareva essere più edificante.
Come se, realmente, la vita potesse essere altro e non solo quest'ombra che passa.
Non a caso gli attori sulla scena verranno chiamati a un forte dispendio fisico, a un affanno del corpo teso a sottolineare che, pur sapendo che la vita si risolve in un passaggio fugace, l'uomo si opera per segnare il suo tempo, per incidere il suo nome da qualche parte: da qui l'ambizione, il desiderio di immortalità che il potere sembra concedere, la sete di avere di più di quel che si ha nell'illusione che questo migliori l'esito della recita oscura.
Tutto questo affanno e desiderio si incarna nelle streghe, che raccontano la parte profonda di questo moto interiore e che, nello spettacolo, si moltiplicano in più Macbeth e Lady Macbeth per ricordare che nessuno è esente da questa pulsione e che tutti possiamo diventare o l'uno o l'altra. La moltiplicazione coinvolge quindi anche il pubblico: così come tutti gli attori possono tramutarsi in questi alfieri del male, così lo spettatore è costretto, dalle streghe, a chiedersi: "E Io? Non abito forse anche io la battaglia?"

INOLTRE IL TEATRO VASCELLO SEGNALA: IN ITALIA LE CELEBRAZIONI "UFFICIALI" DELLA GIORNATA MONDIALE DEL TEATRO
Mercoledì 27 marzo si celebra la Giornata mondiale del Teatro istituita a Parigi nel 1962 dall’International Theatre Institute dell’UNESCO. Ogni anno, nei teatri e nelle realtà culturali che sostengono e aderiscono all’iniziativa, viene letto un messaggio affidato a una personalità della cultura per testimoniare le riflessioni vive sul tema del Teatro e della Cultura della Pace. Quest’anno il messaggio è firmato dal cubano Carlos Celdràn. Classe 1963, il pluripremiato regista teatrale, drammaturgo, accademico e professore che vive e lavora a L'Avana e ha portato i suoi spettacoli in tutto il mondo, sarà in Italia per tre appuntamenti alla Casa Circondariale di Pesaro (26 marzo) e al Teatro Vascello di Roma (27 marzo).

Mercoledì 27 marzo la giornata prenderà il via alle 10 al Teatro Vascello di Roma con la premiazione dei testi vincitori di Scrivere il teatro. Il concorso, indetto per il quarto anno consecutivo dal Ministero dell’Istruzione, Università e Ricerca - Direzione generale per lo studente, l’integrazione e la partecipazione, dal Centro italiano dell’ITI - UNESCO, presieduto dal regista e direttore artistico di Astragali Teatro Fabio Tolledi. In serata, dalle 20:30, sempre al Teatro Vascello, prima dello spettacolo Abitare la battaglia diretto da Pierpaolo Sepe, interverranno Fabio Tolledi, Tobias Biancone e Carlos Celdràn che leggerà il Messaggio.

Costo: vedi sito

Informazioni: 06 5881021 – 06 5898031

Indirizzo: via Giacinto Carini, 78 - Roma

Sito di riferimento teatro: www.teatrovascello.it

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ARTE

APRONO I BATTENTI...

Ai Mercati di Traiano l’antica civiltà cinese incontra la millenaria storia di Roma in

“Mortali Immortali, tesori del Sichuan nell’antica Cina”

MERCATI DI TRAIANO MUSEO DEI FORI IMPERIALI - Roma

dal 26 marzo al 18 ottobre 2019 . Orario: tutti  i giorni 9.30 - 19.30_ 24 e 31 dicembre ore 9.30-14.00 - Giorni di chiusura: 1 Gennaio, 1 Maggio, 25 dicembre

In mostra le origini, la cultura e i riti del popolo Shu con una ricca collezione di reperti archeologici provenienti dai più importanti musei cinesi della Provincia del Sichuan

In un incontro ideale tra la civiltà del popolo Shu e l’Impero Romano, la mostra Mortali Immortali, tesori del Sichuan nell’antica Cina giunge nei Mercati di Traiano – Museo dei Fori Imperiali, uno dei complessi monumentali che più rappresenta oggi la Roma antica.

La grande mostra dedicata all’antica civiltà del Sichuan, a ingresso gratuito per i possessori della MIC, è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali e dall’Ufficio del Patrimonio Culturale della Provincia del Sichuan, ha il patrocinio dell’Ambasciata della Repubblica Popolare Cinese in Italia, è curata da Wang Fang, archeologa e vice direttrice del Museo di Jinsha, e organizzata da ChinaMuseum International con il supporto organizzativo di Zètema Progetto Cultura. L’allestimento dell’esposizione è curato dagli architetti Gaetano di Gesu e Susanna Ferrini di “n!studio Asia”.

Un percorso straordinario nella vita sociale e nel mondo spirituale dell’antico popolo Shu, che proprio su questa terra nel sud-ovest della Cina ha creato una civiltà unica. Saranno esposte eccezionali opere in bronzo, oro, giada e terracotta – databili dall’età del bronzo (II millennio a.C.) fino all’epoca Han (II secolo d.C.) – rinvenute nei siti di Sanxingdui e Jinsha (solo per citarne alcuni) e provenienti da importanti istituzioni cinesi come il Museo di Sanxingdui, il Museo del Sito Archeologico di Jinsha, il Museo del Sichuan, il Museo di Chengdu, l’Istituto di ricerca di reperti e archeologia di Chengdu, il Museo di Mianyang, il Museo Etnico Qiang della Contea di Mao.

Come le origini di Roma sono state legate al Tevere, così la nascita del popolo di Shu è stata segnata dallo scorrere dello Yangtze, il Fiume Azzurro. Il Fiume Azzurro costituisce il filo conduttore della mostra ed è significativamente tracciato sull’installazione dorata ispirata a un dragone cinese che invaderà lo spazio centrale della Grande Aula, accogliendo i visitatori. Questo e altri effetti scenografici potenziati dal contesto monumentale dei Mercati di Traiano esalteranno gli straordinari reperti, che per la prima volta sono presentati in un’esposizione così estesa in Europa, ora a Roma dopo la tappa di Napoli.

Il percorso della mostra guiderà il visitatore alla scoperta dell’antica civiltà del Sichuan attraverso opere di inestimabile valore accompagnate da ricostruzioni digitali, foto, video e diversi strumenti interattivi utili alla conoscenza del processo di rinvenimento e alla delineazione dello sviluppo temporale di questa antica civiltà cinese. Circondato da statue e vasi rituali, da statuette in terracotta ed enigmatiche maschere di bronzo, il pubblico imparerà a conoscere i tratti distintivi del popolo Shu, andrà alla scoperta della sua genesi e dell’evoluzione degli elementi religiosi e sociali, senza tralasciare la sua naturale predisposizione alla creatività, all’eleganza e alla bellezza riscontrabile negli elementi decorativi in oro, nelle opere in giada o nei reperti unici come il cavallo di Mianyang e il sole di Jinsha.

Davanti alla varietà di oggetti di uso comune, ai raffinati recipienti in legno laccato, ai particolari ritratti su mattone, si avrà la possibilità di percepire l’elevata qualità raggiunta dalla produzione artigianale durante la dinastia Han nonché comprendere la visione del popolo Shu riguardo ai temi della vita e della morte. Un atteggiamento romantico e ottimista di una popolazione non solo ricca ma anche profondamente pacifica.

Il progetto espositivo sarà articolato in due sezioni con altrettante tematiche racchiuse in una suggestiva visione d’insieme. La prima, dedicata alla Cultura religiosa dello stato di Shu, si concentrerà sul mondo spirituale raccontando i riti di un popolo dedito al culto del Sole attraverso le maschere di bronzo provenienti dagli scavi del sito di Sanxingdui. La seconda sezione, invece, tratterà La vita quotidiana del popolo Shu, ricostruendo le trame commerciali sviluppate nell’area del Sichuan attraverso bassorilievi su mattone della dinastia Han, figure umane e figurine di animali in ceramica.

Alle 130 opere esposte a Napoli, Roma vede eccezionalmente aggiunti 15 nuovi prestiti, tra i quali spiccano le due maschere e una testa di bronzo di Sanxingdui, ognuna fortemente caratterizzata. In particolare, una si differenzia da tutte le maschere finora rinvenute nel sito per la resa del viso più delicata e per il velato sorriso, elementi che hanno fatto pensare agli studiosi che rappresenti una divinità dell’antica cultura Shu.

In occasione della mostra Mortali Immortali, tesori del Sichuan nell'antica Cina la casa editrice Gangemi Editore International produrrà un catalogo di accompagnamento che fornirà un utile supporto di approfondimento per conoscere nel dettaglio i temi, le opere e la storia dell’antica civiltà cinese.

Ricordiamo che la MIC card può essere acquistata da chi risiede o studia a Roma e consente, pagando solo 5 euro, l’ingresso illimitato per 12 mesi nei Musei Civici e nei siti archeologici e artistici della Sovrintendenza Capitolina.

Promossa da Roma Capitale Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, Ufficio del Patrimonio Culturale della Provincia del Sichuan, Ambasciata della Repubblica Popolare Cinese

Organizzazione Chinamuseum International s.r.l.

SPONSOR SISTEMA

MUSEI IN COMUNE

Mobility Partner ATAC SpA

Media Partner Il Messaggero

Supporto organizzativo Zètema Progetto Cultura

Costo:  Biglietto integrato Mercati di Traiano - Museo dei Fori Imperiali + Mostra per i non residenti a Roma: 16 € intero; 14 €  ridotto - per i residenti a Roma: 14 € intero;  12 € ridotto -Ingresso GRATUITO per le categorie previste dalla tariffazione vigente. Per i possessori della MIC Card l'ingresso è gratuito.
Indirizzo: via Quattro Novembre 94 - 00187 Roma
Informazioni: Tel. 060608 (tutti i giorni ore 9.00 - 19.00)

Sito di riferimento: www.mercatiditraiano.it 

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PROSEGUONO...

“BIOGRAFIE”

di MARIA GAGLIARDI

A cura del Collettivo Summa

‘O VASCIO ROOM GALLERY

dall' 8 febbraio al 30 marzo, dopo l'inaugurazione ingresso su appuntamento

Come una poesia che dopo averla letta risuona già nella memoria con immediata familiarità le opere di Maria Gagliardi si sono subito imposte alla nostra attenzione. “Il noi dentro” era l’opera selezionata per la mostra/concorso Display 2.0 con una ricerca estremamente allineata con la mission del progetto O' Vascio - Room Gallery in equilibrio tra antichità e contemporaneità.
Per “Biografie” abbiamo chiesto un coinvolgimento maggiore alla Gagliardi con un opera site specific affidandole una fotografia di inizio novecento proveniente dall’imponente archivio del collezionista di fotografie e cimeli di Somma Vesuviana, Bruno Masulli. Quest’opera della Gagliardi si lega tenacemente alle altre opere in mostra dall’8 Febbraio al 30 Marzo 2019 in un susseguirsi di spunti suggestivi, memorie, intimi racconti di vissuti altri che sembrano diventare personali, familiari. “Biografie” è una serie di opere che si muove dal calore tipico della fotografia vernacolare ad una riflessione sull’identità dei soggetti ritratti con aspetti che suscitano anche un affascinante inquietudine quando l’artista interviene sui volti, tagliandoli, segnandoli. Si è continuamente in bilico tra una comoda zona di confort e un luogo dell’anima intangibile e misterioso che trova il suo racconto nel libro/installazione dove l’artista si è liberata delle immagini per lasciare posto alla composizione del segno fatto di parole scritte, strappi, carta ingiallita.
A proposito del suo intenso lavoro l’artista dice “La mia ricerca artistica approfondisce i temi del ricordo e della memoria, come spazio sacro di identità soggettiva e collettiva. In un mondo così fortemente globalizzato e tendente all’uniformità, l’espressione più intima del sé avviene, dunque, attraverso il ricordo, la memoria. Il collegamento con la propria storia, i propri affetti, la propria terra, i propri gusti e retaggi personali e condivisi, diventa, così, collegamento con se stessi.
Il ricordo delle cose passate è personalissimo e intimo. Non ha pretesa di essere oggettivo, non necessariamente gode di intrinseca coerenza, sovente è infedele. Eppure, esso crea la realtà e in esso si radica il concetto di identità. [….] I ricordi sono bellezza cristallizzata. Vagano nella dimensione del non tempo. Scrivono la nostra biografia. Costruiscono significati. Ci conducono al senso della nostra discesa.
Essi mutano col mutare della nostra prospettiva e, nel loro eterno ritornare -talvolta immutati e cristallizzati, talaltra con lievi variazioni di angolazioni e sfumature, talaltra ancora, riproponendosi in maniera del tutto inedita- possono giungere a guidarci in una riscrittura in chiave evolutiva della nostra storia e del senso stesso della nostra esistenza.”
Ricordi e memoria dunque attraverso manipolazioni ed elaborazioni poetiche di fotografie e oggetti di un passato da scoprire attraverso lo sguardo di questa interessante artista campana.
Teresa Capasso

Costo: Ingresso LIBERO
Fino al 30 Marzo 2019 su appuntamento al 3470115363
Indirizzo: via  Botteghe, 15 Somma Ves. Na

Face di riferimento: www.facebook.com/vascioroom/

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“DONNE. CORPO E IMMAGINE TRA SIMBOLO E RIVOLUZIONE”

Nella mostra la rappresentazione femminile attraverso la storia

L’evoluzione dell’immagine femminile, protagonista della creatività dalla fine dell’Ottocento alla contemporaneità

A cura di ARIANNA ANGELELLI, FEDERICA PIRANI, GLORIA RAIMONDI, DANIELA VASTA

Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali
In collaborazione con Cineteca di Bologna; Istituto Luce-Cinecittà

GALLERIA D’ARTE MODERNA DI ROMA - Roma

dal  24 gennaio al 13 Ottobre  2019, da martedì a domenica ore 10.00 - 18.30

Da oggetto da ammirare, in veste di angelo o di tentatrice, a soggetto misterioso che s’interroga sulla propria identità fino alla nuova immagine nata dalla contestazione degli anni sessanta: la mostra "DONNE. Corpo e immagine tra simbolo e rivoluzione" è una riflessione sulla figura femminile attraverso la visione di artisti che hanno rappresentato e celebrato le donne nelle diverse correnti artistiche e temperie culturali tra fine Ottocento, lungo tutto il Novecento e fino ai giorni nostri.

La mostra presenta circa 100 opere, tra dipinti, sculture, grafica, fotografia e video, di cui alcune mai esposte prima o non esposte da lungo tempo, provenienti dalle collezioni d’arte contemporanea capitoline, a documentazione di come l’universo femminile sia stato sempre oggetto prediletto dell’attenzione artistica. Per i possessori della MIC Card l’ingresso alla mostra è gratuito.

“Le donne devono essere nude per entrare nei musei?” – si domandava in maniera provocatoria lo slogan di uno dei più famosi collettivi di artiste femministe americane. L’interrogativo rifletteva su una verità incontrovertibile.

Per secoli l’immagine femminile è stata, infatti, protagonista della creatività: il nudo femminile come forma da studiare, modello di bellezza, di erotismo o di ludibrio, mentre la modella diventava, alternativamente, la musa ispiratrice, la fonte di ogni peccato, l’esempio di doti domestiche e di virginale maternità.

Tra la fine dell’Ottocento e i primi anni del XX secolo la rappresentazione della donna è incardinata in un ossimoro che ne mostra l’ambivalenza: da una parte immagine angelica, figura impalpabile ed eterea, puro spirito immateriale, dall’altra minaccia tentatrice, fonte di peccato e perdizione. Da Le Vergini savie e le vergini stolte di Giulio Aristide Sartorio, alle modelle discinte in pose provocanti dei pittori divisionisti (Camillo Innocenti, La Sultana) passando a L’angelo dei crisantemi di Angelo Carosi, la donna vive sospesa tra il suo essere allo stesso tempo ninfa gentile e crudele seduttrice, Musa e Sfinge, analogamente a quanto avveniva nella contemporanea letteratura simbolista e decadente di D’Annunzio e dei poeti d’oltralpe e nelle stupefacenti pellicole cinematografiche che facevano vivere sullo schermo le prime dive dell’epoca moderna. 

I profondi cambiamenti sociali, politici che seguirono la fine della Grande Guerra con la messa in crisi dei valori tradizionali, determinarono anche la prima grande rottura di quell’immaginario consolidato.

Di pari passo all’emancipazione sociale delle donne – dai primi movimenti delle suffragette in Europa alla prepotente entrata nel mondo del lavoro a causa delle contingenze storiche - anche la raffigurazione dell’immagine femminile nelle arti visive risentì delle contraddizioni di una società che stava cambiando. Alla trasformazione delle dinamiche sociali si aggiunse l’impatto che su tutta la cultura occidentale del Novecento ebbero le teorie freudiane (L’interpretazione dei sogni è del 1900) che scardinarono per sempre l’immagine armonica della famiglia tradizionale, ora descritta come coacervo di pulsioni e conflitti.

Nella serie dei ritratti esposti al secondo piano della mostra spicca, tra gli altri, il volto di Elisa, la moglie di Giacomo Balla, ritratta mentre si volta per guardare qualcosa o qualcuno dietro di sé. Il valore iconico dell’immagine è racchiuso nello sguardo che muta lo stupore in seduzione e curiosità trasformando il ritratto della giovane donna da oggetto da ammirare a soggetto misterioso. Figure allo specchio si interrogano sulla propria identità, volti enigmatici restano ermetici allo sguardo, realistici nudi espressionisti si alternano a visioni di un’umanità felice in uno spazio senza tempo.

Il forte richiamo alla famiglia italica tradizionale propagandata dal Fascismo, insieme al decremento dell’occupazione femminile, al fine di sottolineare e riaffermare l’esclusivo ruolo della donna come madre, trovò riscontro in molte delle espressioni artistiche coeve. Eppure quel modello, fatto proprio da molta arte degli anni Trenta e Quaranta, viene spesso disatteso pur nella ripresa di un analogo soggetto in cui l’intimità delle mura domestiche diventa un luogo e un universo segnati da indecifrabili solitudini esistenziali (Antonietta Raphaël, Riflesso allo specchio; Luigi Trifoglio, Maternità; Mario Mafai, Donne che si spogliano;  Baccio Maria Bacci , Vecchie carte).

Il voto delle donne nel 1946, conquista ottenuta anche grazie alla partecipazione femminile alla guerra di liberazione, rappresentò una svolta radicale nella storia italiana. Fu solo a partire dalla fine degli anni Sessanta, però, che le lotte per il raggiungimento della parità di diritti produssero, nelle donne, un profondo cambiamento nella percezione di sé, delle proprie possibilità e potenzialità nei più vari ambiti compreso quello dell’arte.

Contemporaneamente alla contestazione sociale dei modelli patriarcali, la consapevolezza di una nuova identità femminile fu al centro della ricerca di molte artiste (Tomaso Binga, Bacio indelebile; Giosetta Fioroni, L’altra ego) ed anche il ruolo predestinato di “madre”, passando dalla condizione di scelta obbligata, divenne il fulcro del dibattito sulle libertà della donna e sulla riappropriazione del proprio corpo (Sissi, Nidi).

Il percorso espositivo sarà accompagnato da videoinstallazioni, documenti fotografici e filmici tratti da opere cinematografiche e cinegiornali provenienti dalla Cineteca di Bologna e dall’Archivio dell’Istituto Luce-Cinecittà che ne hanno curato la realizzazione. In una sala della  mostra sarà proiettato il film, prodotto dall’Istituto Luce, Bellissima (2004) di Giovanna Gagliardi che attraverso documenti storici dell'Archivio Luce, spezzoni di film, canzoni popolari e interviste racconta per immagini il cammino delle donne nel ventesimo secolo.

L’ultima sezione della mostra, dedicata alle dinamiche e le relazioni tra gli sviluppi dell’arte contemporanea, l’emancipazione femminile e le lotte femministe, presenta materiale documentario proveniente da ARCHIVIA – Archivi Biblioteche Centri Documentazione delle Donne - e testimonianze di performance e film d’artista di alcune protagoniste di quella stagione fondamentale provenienti da collezioni private, importanti Musei e istituzioni pubbliche (Museo di Roma in Trastevere; Centro Sperimentale di Cinematografia - Cineteca Nazionale; Galleria Civica d'Arte Moderna Torino; MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna; MART – Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto - Archivio Tullia Denza).

Fino alla fine di febbraio nelle sale della Galleria sarà presente anche un focus sull’opera di Fausto Pirandello grazie al prestito speciale del Museo del Novecento di Milano del dipinto Il remo e la pala (1933), esposto insieme ad altre opere della GAM Galleria d’Arte moderna dello stesso autore.

Organizzazione  Zètema Progetto Cultura

Media partner Il Messaggero

Costo: Biglietto di ingresso alla Galleria d’Arte Moderna: 7,50 €  intero e 6,50 €  ridotto, per i non residenti;  6,5€  intero e di  5,50  € ridotto, per i residenti; gratuito per le categorie previste dalla tariffazione vigente.

Per i possessori della MIC Card l’ingresso alla mostra è gratuito.

Informazioni: 060608 - www.galleriaartemodernaroma.it

Indirizzo: via Francesco Crispi,  24 -  Roma

Sito di riferimento: www.galleriaartemoderna.it

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"ANDY  WARHOL"  

a cura di  Matteo Bellenghi

LA  VERA  ESSENZA  DI  WARHOL  IN  MOSTRA  AL  VITTORIANO  

Un’esposizione  che  con  oltre  170  opere  traccia  la  vita  straordinaria  di  uno  dei  più  acclamati   artisti  della  storia

COMPLESSO DEL VITTORIANO  ALA BRASINI - Roma

dal 3 ottobre al 5 maggio 2019, vari orari

PROROGATA  al  5 MAGGIO

Il 3 ottobre apre i battenti a Roma, negli spazi del Complesso del Vittoriano - Ala Brasini, un’esposizione interamente dedicata al mito di Warhol, realizzata in occasione del novantesimo anniversario della sua nascita.

Sotto l’egida dell’Istituto per la storia del Risorgimento italiano e con il patrocinio della Regione Lazio e di Roma Capitale - Assessorato alla Crescita culturale, la mostra Andy Warhol è prodotta e organizzata dal Gruppo Arthemisia in collaborazione con Eugenio Falcioni & Art Motors srl e curata da Matteo Bellenghi.

Una mostra che parte dalle origini artistiche della Pop Art: nel 1962 il genio di Pittsburgh inizia a usando la serigrafia crea la serie Campbell's Soup, minestre in scatola che Warhol prende dagli scaffali dei supermercati per consegnarli all’Olimpo dell’arte. Seguono le serie su Elvis, su Marilyn, sulla Coca-Cola.

L’esposizione, con le sue oltre 170 opere, vuole riassumere l’incredibile vita di un personaggio che ha cambiato per sempre i connotati non solo del mondo dell’arte ma anche della musica, del cinema e della moda, tracciando un percorso nuovo e originale che ha stravolto in maniera radicale qualunque definizione estetica precedente.

Andy Warhol, Marilyn, 1967. Serigrafia su carta, 91,4x91,4 cm. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc. by SIAE 2018 per A. Warhol

Costi:  vedi sito

Indirizzo: San Pietro in Carcere - Roma

Sito di riferimento: www.ilvittoriano.com

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"POLLOCK e la Scuola di New York"

a cura di David Breslin e Carrie Springer con Luca Beatrice

COMPLESSO DEL VITTORIANO  ALA BRASINI - Roma

dal 10 ottobre  al  5 maggio 2019, vari orari

PROROGATA  al  5 MAGGIO

L’Ala Brasini del Vittoriano accoglie uno dei nuclei più preziosi della collezione del Whitney Museum di New York: Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de , Franz Kline e molti altri rappresentati della Scuola di New York irrompono a Roma con tutta l’energia e quel carattere di rottura che fece di loro eterni e indimenticabili “Irascibili”.
Anticonformismo, introspezione psicologica e sperimentazione sono le tre linee guida che accompagnano lo spettatore della mostra POLLOCK e la Scuola di New York.
Attraverso circa 50 capolavori - tra cui il celebre Number 27, la grande tela di Pollock lunga oltre 3m resa iconica dal magistrale equilibrio fra le pennellate di nero e la fusione dei colori più chiari – colori vividi, armonia delle forme, soggetti e rappresentazioni astratte immergono gli osservatori in un contesto artistico magnifico: l’espressionismo astratto.
Sotto l’egida dell’Istituto per la storia del Risorgimento italiano, con il patrocinio della Regione Lazio e di Roma Capitale – Assessorato alla crescita culturale, la mostra POLLOCK e la Scuola di New York è prodotta e organizzata dal Gruppo Arthemisia in collaborazione con The Whitney Museum of America Art, New York e curata da David Breslin e Carrie Springer con Luca Beatrice.

Jackson Pollock, Number 27, 1950. Olio, smalto e pittura di alluminio su tela, 124,6x269,4 cm. © Jackson Pollock by SIAE 2018 © Whitney Museum of American Art

Costi: vedi sito

Indirizzo: San Pietro in Carcere - Roma

Sito di riferimento: www.ilvittoriano.com

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"DREAM. L'arte incontra i sogni"
a cura di Danilo Eccher

CHIOSTRO DEL BRAMANTE - Roma
 dal 29 settembre al 5 maggio 2019 , orario dal lun. al ven. 10.00 – 20.00_ sab. e dom. 10.00 – 21.00/La biglietteria mostre chiude una ora prima.

"Dream è la rappresentazione dell'idea di sogno, una dimensione altra che trascende la fisicità della percezione per accedere nei territori dell'emozione, dell'incanto, della poesia". Danilo Eccher

20 grandi protagonisti dell'arte contemporanea raccontano il loro sogno attraverso opere visionarie, accompagnando gli spettatori in un viaggio all'interno della perfetta architettura rinascimentale di Donato Bramante. Una mostra che parla di desideri, aspettative, paure esorcizzate, fantasie, in un percorso da visitare a occhi aperti oppure chiusi, dove a opere site specific si alternano lavori riletti e ripensati all'interno delle sale.

Gli artisti: Jaume Plensa, Anselm Kiefer, Mario Merz, Giovanni Anselmo, Christian Boltanski, Doris Salcedo, Henrik Håkansson, Wolfgang Laib, Claudio Costa, Kate MccGwire, Anish Kapoor, Tsuyoshi Tane, Ryoji Ikeda, Bill Viola, Alexandra Kehayoglou, Peter Kogler, Tatsuo Miyajima, Luigi Ontani, Ettore Spalletti, James Turrell. 

Completa il progetto Le voci del sogno: per la prima volta al mondo le parole di uno scrittore, ispirate alle opere degli artisti protagonisti di Dream e interpretate da 14 attori italiani, accompagnano il pubblico in mostra attraverso una audioguida. 14 racconti inediti di Ivan Cotroneo diventano evocazione in un percorso straordinario, libero da confini didattici, capace di amplificare, di creare un altro sogno.

Gli attori: Valeria Solarino, Alessandro Preziosi, Cristiana Capotondi, Alessandro Roja, Valentina Cervi, Angela Baraldi, Brando Pacitto, Carolina Crescentini, Giulia Bevilacqua, Giuseppe Maggio, Isabella Ferrari, Marco Bocci, Matilda De Angelis, Matteo Giuggioli.

"Siamo orgogliosi de Le voci del sogno, un progetto inedito, orgogliosi della collaborazione con un autore di talento come Ivan Cotroneo, con un gruppo di attori tanto straordinari quanto generosi. Chiostro del Bramante conferma, con questo progetto sperimentale, l'attenzione nei confronti dei suoi tanti pubblici perché l'arte sia condivisa".

Natalia de Marco, DART - Chiostro del Bramante

Catalogo Skira con testi del curatore Danilo Eccher, Ivan Cotroneo e Federico Vercellone

Costo:  visita il sito.

Informazioni: hastag ufficiale #enjoychiostro - +39 06 68809035 (Lunedì – Venerdì 10.00 / 17.00) numero attivo dal 4 settembre sino a fine mostra. - La Caffetteria Bistrot, il Bookshop e il Chiostro hanno ingresso libero indipendentemente dalle mostre

Indirizzo: Via Arco della Pace 5 - Roma

Sito di riferimento: www.chiostrodelbramante.it

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MUSICA

CONCERTI DELLA DOMENICA

"SANTA CECILIA a VIA GIULIA"

a cura di Giuseppe Garrera e Roberto Giuliani

TUTTE LE DOMENICHE - INGRESSO GRATUITO

OFF OFF THEATRE - Roma

da domenica 3 marzo a domenica 26 maggio 2019 – ore 12.00

 

Dopo il successo della scorsa stagione e a grande richiesta, tornano i CONCERTI DELLA DOMENICA del Conservatorio di Santa Cecilia all’Off/Off Theatre a cura di Giuseppe Garrera e Roberto Giuliani.

Sono undici i nuovi appuntamenti in programma, occasioni speciali per conoscere quella straordinaria realtà di talenti che a Roma è il Conservatorio di Santa Cecilia e di ascoltare le migliori promesse, o già certezze, della ricerca musicale e interpretativa dei nostri giorni. Giovani concertisti, nel momento più alto e poetico del loro apprendistato, a cui raramente è data oggi la possibilità di esibirsi in pubblico, avranno, anche durante quest’anno, a disposizione il palco dell’Off/Off Theatre di Via Giulia.

“Il grande successo della scorsa stagione ci ha spinto a rinnovare questo ciclo di appuntamenti” racconta il direttore artistico del teatro di Via Giulia, Silvano Spada - Insieme ai curatori Garrera e Giuliani desideriamo continuare a celebrare e a manifestare il momento, la stagione irripetibile per furori e fantasia, dell’educazione e dello studio”. I concerti si svolgeranno a cadenza settimanale e con ingresso libero, ogni domenica alle ore 12,00, dal 3 marzo al 26 maggio 2019. Una grande occasione per conoscere la scena musicale che sarà.

IL PROGRAMMA dal 31 Marzo al 26 Maggio:

31 marzo - Quintetto clarinetto e archi, musiche di W.A.Mozart, G.Rossini

7 aprile - Ensemble “Omeda” Stabat Mater di G.B.Pergolesi

14 aprile - Ensemble di violoncelli Dir.M°M.Massarelli, musiche di K.Cobain, D.Grohl, J.Herfield, B.Kelly, K.Novoselic, A.Part

28 aprile - Proiezione di cortometraggi musicati da studenti dei corsi di Musica Applicata delle classi dei M° A.Di Pofi e M.Gabrieli

5 aprile - Jang Hyun Jae flauto e Giulia Bigioni arpa, musiche di G.Rossini, G.Donizetti, S.Mercadante, N.Rota, J.Francaix

12 maggio - Carlotta Libonati viola, musiche di J.S.Bach, P.Hindemith, J.S.Bach-Z.Kodaly

19 maggio - Ensemble strumenti a fiato Dir.M°S.Mastrangelo musiche di R.Strauss

26 maggio - Ensemble di saxofoni HOT TO SAX, musiche di G.Bizet, R.Kernen, E.Morricone, L.Bernstein

Costo: Ingresso GRATUITO

Indirizzo: Via Giulia 19/21 – Roma

Informazioni:  06 89239515 -  info@off-offtheatre.com

Siti di riferimento: www.off-offtheatre.com

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CHARITY CAFÉ

LA PROGRAMMAZIONE  dal 26 al 31 Marzo 2019

26 marzo ore 21.00

"ANDY'S CORNER"

Classic Rock, Blues, Soul, Folk...

Andrea Angelini, in arte Andy’s Corner, presenta il suo progetto solista acustico. Propone una sintesi di vari generi e influenze musicali: un viaggio affascinante nella migliore musica anglo-americana in particolare dei ‘60s e’70s, ma non solo...

Andrea Angelini, Voce, Chitarra & Armonica

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mercoledì  27 marzo ore 22.00

"BLUES JAM & FRIENDS"

COORDINATA DA TAXI BLUES

Angelo Auciello, Voce

Emiliano Guidi, Piano Organo

Luca Amici, Basso

Mario Damico, Batteria

Tutti i BluesMan e le BluesWoman sono invitati a salire sul palco del Charity

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giovedì 28 marzo ore 22.00

"LAURENT DIGBEU JAZZ AFRO PROJECT"

Jazz Voice

nspirata da una matrice tradizionale della Costa d'Avorio dove la costruzione della melodia si basa su progressioni modali., la musica di Laurent Digbeu si sviluppa gradualmente lungo percorsi inaspettati attraverso armonie jazz.Cosi, a partire dalla matrice, la complicità tra musicisti crea un clima di festa che porta ad improvvisazioni originali e sonorità ricche.

Line-up

Laurent Digbeu, Chitarra & Voce

Filippo Bucci, Sax & Flauto Traverso

Marco Ioannilli, Piano Hammond

Giampiero Silvestri, Batteria

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venerdì 29 marzo ore 22.00

"DANILO BLAIOTTA TRIO"

Jazz Night

Il Danilo Blaiotta Trio è un gruppo nato nel 2017 e capitanato dal pianista Danilo Blaiotta. Musicista eclettico cresciuto fin da giovane come concertista nel panorama della musica classica, approda al jazz traendo ispirazione prima di tutto dal trio di Keith Jarrett e dalla musica del primo novecento francese, approfondita negli anni di studio con Aldo Ciccolini. Nel suo suonare jazz questa passione ricorre spesso, in particolar modo proprio in alcuni suoi brani scritti per il trio. Prima di formare un trio a suo nome, Blaiotta sperimenta sia in concerto che in studio diverse formazioni: dai primi anni con il quintetto Balkanica (Succi, Leveratto, Alessandrini, La Fauci) ove si misura con la tradizione delle sue origini arbereshe e in generale con la musica dei balcani, all’omaggio a Elis Regina nel quartetto Agora Tà, ai duo con Achille Succi e Claudio Fasoli (quest’ultimo considerato da Danilo uno dei punti di riferimento del suo estro compositivo). Approdato nella scena romana da pochi anni, decide di formare il suo trio con musicisti che hanno nella formazione classica un grande bagaglio culturale alle spalle. Jacopo Ferrazza al contrabbasso, con cui condivide gli studi di pianoforte classico e l’amore per un certo tipo di spazialità musicale legata alla composizione multistile, Valerio Vantaggio alla batteria, anch’egli rapito dalla musica pianistica del repertorio classico e in particolar modo quello bachiano. I brani che il trio propone, tutti composti da Blaiotta, sono quindi ascrivibili al jazz ma partono da un principio compositivo che abbraccia in genere la musica del novecento.

Line-up

Danilo Blaiotta, Piano

Jacopo Ferrazza, Contrabbasso

Valerio Vantaggio, Batteria

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sabato 30 marzo ore 22.00

"LUCA TOZZI AND THE BLUE VISION"

Blues Nght

Blue visions nasce a NY con l'idea di essere una famiglia musicale dove far girare diversi musicisti. Un viaggio iniziato 15 anni fa rivisitando classici del blues e non. Per questa occasione Luca Tozzi sara' affiancato da Mimmo Antonini e Luca Pisanu.

Line-up

Luca Tozzi, Voce & Chitarra

Luca Pisanu, Basso

Mimmo Antonini, Batteria

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domenica 31 marzo ore 18.30

"APERITIVO LIVE >>> BLUES"

LORENZO PAVIA & STEFANO PALMA

Lorenzo Pavia presenta insieme al prode Stefano Palma il nuovo disco "WaY OuT" in uscita in primavera. Un duo che si ispira alla traduzione country blues rivisitandola con la propria chiave di lettura.

Line-up

Lorenzo Pavia, Voce & Chitarra

Stefano Palma, Chitarra

Costo: Ingresso 8 euro con prima consumazione - Ogni Domenica  concerto e aperitivo con open buffet ore 18:30

Indirizzo: via Panisperna 68, Roma

Sito di riferimento:  www.charitycafe.it

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